Прямая ссылка: САЙТ

Категория:

История живописи (название)

Заметки о История живописи

осман план Вопрос книги

В этой статье не привести любые ссылки или источники История живописи империи (Перенаправлено с История, связанных списки Александр Великий Материал «История живописи» , поиска

История живописи

(История живописи) История живописи История живописи Анри История живописи История живописи (в возрасте 84) История живописи История живописи Материал из Википедии, свободной энциклопедии Пещера живопись зубров (Bos primigenius primigenius), Ласко , Франция, доисторическое искусство Фрагмент картины пещеры Ласко История искусства Доисторический Древняя Европейский Восточная Исламская Живопись ( Западная ) История искусства V т е История живописи достигает назад во времени к артефактов из доисторических людей, и охватывает все культуры. Он представляет непрерывный, хотя периодически нарушается традиция с древнейших времен. Во всех культурах, и охватывающих континентах и тысячелетий, история живописи является постоянным река творчества, что продолжается в 21-м веке. [1] До начала 20-го века он не опирался в первую очередь на представительских , религиозных и классических мотивов, после чего более чисто абстрактные и концептуальные подходы получили пользу. События в Восточной живописи исторически параллельны в западной живописи , в общем, несколько веков назад. [2] африканское искусство , еврейская искусство , исламское искусство , индийское искусство , [3] китайское искусство , и японское искусство [4] каждый имел значительное влияние на западном искусстве, и, в конечном счете, наоборот. [5] Изначально выступающей утилитарной цели, а затем императорской, частного, гражданского и религиозного патронажа, Восточной и Западной живописи позже нашли аудитории в аристократии и среднего класса. От современного эпохи, Средневековья сквозь эпохи Возрождения художников работал в церкви и богатой аристократии. [6] Начиная с барокко художников эпохи получили частные заказы от более образованной и процветающей среднего класса. [7] Наконец на западе Идея " искусства для искусства " [8] стали находить свое выражение в работе Романтика художников, как Франсиско де Гойя , Джона Констебла и Уильяма Тернера . [9] В 19 веке рост коммерческой художественной галереи осуществлял патронаж в 20 веке. [10] [11] [12] Содержание 1 Предыстория 2 Восточная живопись 2.1 Азии живопись Восток 2.1.1 китайской живописи 2.1.2 Японская живопись 2.2 Южной Азии живопись 2.3 индийской живописи 2.3.1 История 2.3.1.1 Rajput живопись 2.3.1.2 Моголов живопись 2.3.1.3 Tanjore живопись 2.3.1.4 Мадрас школа 2.3.1.5 Бенгалия Школа 2.3.1.6 Современный индийский живопись 2.4 Филиппинский Живопись 2.5 Юго-Восточной Азии 3 западной живописи 3.1 Египет, Греция и Рим 3.2 Средневековье 3.3 Возрождение и маньеризм 3.4 барокко и Рококо 3.5 18 и 19 веков: неоклассицизм, История живопись, романтизм, импрессионизм, Сообщение Импрессионизм, Символизм 3.6 20-го века и новейшей 3.6.1 Пионеры 20-го века 3.6.2 Пионеры современного искусства 3.6.3 Пионеры абстракции 3.6.4 Dada и сюрреализм 3.6.5 Между войнами 3.6.6 Общественное сознание 3.6.7 Всемирный конфликт 3.6.8 К середине века 3.6.9 Абстрактный экспрессионизм 3.6.10 Поп-арт 3.6.11 Фигуративная, Пейзаж, Натюрморт, Морской пейзаж, и реализм 3.6.12 Art Brut, Новый реализм, Bay Area Фигуративная Движение, нео-дада, фотореализм 3.6.13 Новая абстракция от 1950-1980-х годов 3.6.14 Вашингтон Школьный, Shaped Холст, Аннотация Иллюзионизм, лирической абстракции 3.6.15 Hard-край живопись, минимализм, postminimalism, монохромный живопись 3.6.16 Neo Экспрессионизм 3.6.17 Современная живопись в 21 веке 4 Картина в Северной и Южной Америке 4.1 Мексики и Центральной Америки 4.2 Южная Америка 4.3 Северная Америка 4.3.1 США 4.3.2 Канада 4.4 Карибского бассейна 5 Исламская живопись 5.1 Иран 5.2 Пакистан 6 Океания 6.1 Австралия 6.2 Новая Зеландия 7 Африка 7.1 Влияние на западном искусстве 8 Смотрите также 9 Ссылки 10 Дальнейшее чтение 11 Внешние ссылки Предыстория Основные статьи: Первобытное искусство , искусство верхнего палеолита , Искусство среднего палеолита и Список каменного века искусства Древнейшие из известных картин примерно 40000 лет. Хосе Луис Sanchidrian в университете Кордовы, Испания, считает, что картины, скорее всего, были окрашены неандертальцев, чем ранних современных людей. [13] [14] [15] Grotte Шове во Франции, как утверждают некоторые историки, примерно 32000 лет. Они выгравированы и окрашены с использованием красной охры и черного пигмента и шоу лошадей, носорогов, львов, буйволов, мамонта или людей часто охотился. Есть примеры наскальных рисунков по всему миру-во Франции, Индии, Испании, Португалии, Китае, Австралии и т.д. Различные предположения были сделаны в отношении значения эти картины были для людей, которые сделали их. Доисторические люди могут нарисовали животных "улова" их души или духа для того, чтобы охотиться на них легче или картины может представлять анимистическую видение и почтение к окружающей природе , или они могут быть результатом одной из основных потребностей выражения, что является врожденным для человека, или они могли бы быть для передачи практической информации. Скальные жилища Бхимбетка , наскальная живопись , каменного века , Индия Ласко , Верховая Эланд , наскальная живопись , Дракенсберг , Южная Африка Ласко , Быки и Лошади Зубр , в большом зале policromes, Пещера Альтамира , Испания Петроглифы , из Швеции, Северных бронзового века (окрашенные) Пиктограммы от Большой галерее, Национальном парке Каньонлендс, Подкова Каньон , штат Юта , в. 1500 г. до н.э. Куэва-де-лас-Манос (по-испански Пещере руки) в провинции Санта-Крус в Аргентине, c.550 до н.э. В палеолитических времен, представление человека в наскальной живописи было редко. Главным образом, животные были окрашены, не только животные, которые были использованы в качестве пищи, но и животные, которые представляли силу нравится носорога или большой Felidae , как в Пещера Шове . Признаки, как точек иногда обращается. Редкие человека представления включают отпечатки ладоней и полу-человек / фигурки животных. Пещера Шове в Ардеш департаменты Франции содержит важные сохранились наскальные рисунки из эпохи палеолита, окрашенные вокруг 31000 г. до н. В Альтамира наскальные рисунки в Испании были сделаны 14000 до 12000 до н.э. и шоу, среди прочего, зубров . Зал быков в Ласко , Дордонь, Франция, является одним из самых известных наскальных рисунков примерно от 15000 до 10000 до н.э.. Если есть смысл в картинах, остается неизвестным. Пещеры были не в жилом районе, таким образом, они, возможно, были использованы для сезонных ритуалов. Животных сопровождается признаками, которые свидетельствуют о возможной волшебный использование. Arrow-как символы в Ласко иногда интерпретируется как календарь или альманаха использования. Но доказательства остается безрезультатным. [16] Наиболее важная работа мезолита эпохи были маршируют воины, наскальная живопись в Cingle де-ла-Мола, Кастельон , Испания датируется примерно 7000 до 4000 г. до н. Техника, используемая был, вероятно, плевки или дует пигменты на скалу. Картины довольно натуралистично, хотя стилизованные. Цифры не трехмерное, даже если они перекрываются Самые ранние известные индийские картины (см раздел ниже) были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы , как найденные в таких местах, как Скальные жилища Бхимбетка , (см выше) и некоторые из них старше 5500 г. до н. Такие работы продолжались и после нескольких тысячелетий, в 7 веке, резные столбы Аджанты , штат Махараштра настоящему прекрасный пример индийских картин, и цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов. Восточная живопись История Восточной живописи включает в себя широкий спектр влияний различных культур и религий. События в Восточной живописи исторически параллельны в западной живописи , в общих несколько веков назад. [2] африканское искусство , еврейского искусства , исламского искусства , индийского искусства , [17] китайское искусство , корейского искусства , и японское искусство [4] у каждого было значительное влияние на западное искусство, и, наоборот. [5] Китайская живопись является одним из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Ранние картины не были представительские но декоративные; они состояли из моделей или конструкций, а не фотографий. В начале керамика была написана с спирали, зигзаги, точками или животных. Это было только в течение периода Воюющих царств (403-221 до н.э.), что художники стали представлять мир вокруг них. Японская живопись является одним из старейших и наиболее изысканный из японских искусств , охватывающий широкий спектр жанров и стилей. История японской живописи, это долгая история синтеза и конкуренции между носителями японской эстетики и адаптации импортных идей. История корейской живописи датируется примерно 108 г. н.э., когда он впервые появляется в качестве самостоятельной формы. Между тот момент и картин и фресок, которые появляются на Корё династии гробниц, имело мало исследований. Достаточно сказать, что до Чосон династии основное влияние не было китайской живописи, хотя сделано с корейскими ландшафтов, черты лица, буддийские темы, и акцент на небесной наблюдения в соответствии с быстрым развитием корейской астрономии. Азиатский живопись Восток Смотрите также китайскую живопись , японскую живопись , корейский живопись . Картины на плитке духов-хранителей надел в китайских одеждах , с династии Хань (202 до н.э. - 220 г. н.э.) Джентльмены в разговоре, могила живопись приурочен к Восточной династии Хань (25-220 н.э.). Император Сунь Цюань в Тринадцать императоров Scroll и Северной Ци ученых Разбор по классические тексты, по Yan Liben (ок. 600-673 н.э.), китайский Восемьдесят Семь Небожители, по Wu Daozi (685-758), китайский Портрет Ночной фоне белого, по Хань Ган , 8-го века, китайский Весна Выездные из династии Тан, по Чжан Сюань , 8-го века, китайский Слуга, восьмого века, китайский Дамы изготовления шелка, римейк оригинала восьмого века по Чжан Сюань по императора Huizong Песни , начале 12 века, китайский Иллюстрированный сутра от периода Нара , восьмого века, японский Дамы Playing Двойные шестерки, на Чжоу Fang (730-800 н.э.), китайский Площадь концерт, 10-го века, китайский Сяо и Сян Реки, по Dong Yuan (ок. 934-962 н.э.), китайский Ночь Revels, династии Сун римейк оригинала 10-го века по Гу Hongzhong . Суд портрет императора Shenzong Песни (г. 1067-1085), китайский Золотой фазан и хлопок Rose, по императора Huizong Песни (r.1100-1126 AD), китайский Прослушивание Guqin, по императора Huizong Песни (1100-1126 н.э.), китайский Дети, играющие, по Су Хан Чен, с. 1150, китайский Китайский, анонимный художник 12-го века династии Сун Портрет Zen буддийской Wuzhun Shifan , 1238 AD, китайский Ма Лин , 1246 AD, китайский Человек и его лошадь на ветру, на Чжао Мэнфу (1254-1322 н.э.), китайский Shukei-Sansui (Осенний пейзаж), Sesshu Toyo (1420-1506), японский Кано Масанобу , 15-го века основатель школы Кано , Чжоу Maoshu оценивая Лотосы, японский Белых одеждах Каннон, Бодхисаттва Сострадания, по Кано Motonobu (1476-1559), японский Yi Ahm (1499-?), Мать Собака, 15-го века, Национальный музей Кореи Тан Инь , Фишер осенью, (1523), китайский Nanban корабли, прибывающие для торговли в Японии, 16-го века, японский Экран картина, изображающая людей, играющих Go , по Кано Eitoku (1543-1590), японский Сосны, шесть односторонний экран, по Hasegawa Тохаку (1539-1610), японский Выделите каллиграфия Бодхидхарма , "Дзен точки непосредственно к человеческому сердцу, увидеть в вашей природе и стать Буддой", Хакуин Ekaku (1686 по 1769), японский Висячие прокрутки 1672, Кано Таню (1602-1674), японский Пионы, по Yun Shouping (1633-1690), китайский Гэндзи моногатари, по тоса Mitsuoki (1617-1691), японский Вид Кёмган, Чжон Сон (1676-1759), 1734, Корейский не Айк не Тайга (1723-1776), Рыба весной, японский Маруяма школы , сосна, бамбук, слива, шестикратное экраном, Маруяма Ōkyo (1733-1795), японский Кот и Баттерли, Ким Хонг-до (1745-?), 18-го века, корейский На лодке, Шин Юн Бок (1758-?), 1805, Корейский Rimpa школы , "Осенние цветы и Луна", Сакаи Hoitsu (1761-1828), японский Тануки (енотовидная собака) в качестве чайника, на Кацусика Хокусай (1760-1849), японский Дом среди абрикосовых деревьев, Джо Хи-Рен (1797-1859), корейский Кацусика Хокусай , Дракон Дым спасаясь от горы Фудзи, японский Miyagawa Issho , без названия укие-э живопись, японский Tomioka Tessai (1837-1924), нихонга стиль, Два Божества Танцуя, 1924, японский Китайский окрашены баночка из Западной эпохи Хань (202 г. до н.э. - 9 н.э.) Китай, Япония и Корея имеют прочные традиции в живописи, которые также высоко прикрепленный к искусству каллиграфии и гравюры (настолько, что он часто видел, как картины). Дальний восток традиционная живопись характеризуется методов водной основе, менее реализма, "элегантный" и стилизованные предметы, графический подход к изображению, важность белого пространства (или негативном пространстве ) и предпочтением ландшафта (вместо человеческой фигуры) как субъекта . Помимо чернил и цвета на шелковых или бумажных свитках, золото на лак был также общая среда из окрашенной Восточной Азии искусства. Хотя шелк был несколько дороже среднего рисовать на в прошлом, изобретение бумаги в течение 1-го века нашей эры суда евнуха Хань Цай Лунь , предоставленной не только дешевый и распространенным средством письменной форме, но и дешевым и распространенным средством живописи (что делает его более доступным для общественности). Идеологии конфуцианства , Даосизма и буддизма сыграли важную роль в Восточной Азии искусства. Средневековые династии Сун художники, такие как Лин Tinggui и его борьбе с отмыванием Luohan [18] (размещенного в Смитсоновском Freer галерее искусств ) 12-го века являются прекрасными примерами буддийских идей слитых в классической китайского искусства. В последнем Роспись по шелку (изображение и описания, представленного в ссылке), лысый буддийский Luohan изображены в практической обстановке стирки одежды на берегу реки. Тем не менее, сама картина является визуально ошеломляющие, с Luohan изображается в богатой детализацией и яркими, непрозрачных цветов в отличие от туманных, коричневый, и мягкий лесистой среде. Кроме того, вершины деревьев окутаны закрученного туман, обеспечивая общий «негативного пространства", упомянутого выше в Восточной Азии искусства. В Japonisme , художники конца 19-го века, как на импрессионистов , Ван Гога , Анри де Тулуз-Лотрека и Уистлер восхищался традиционной японской укие-э художников, как Хокусай и Хиросигэ и их работа была под ее влиянием. Панорама Вдоль реки Во Цин Мин фестиваля , 18-го века римейк 12-го века династии Сун оригиналу китайского художника Чжан Zeduan . Оригинал картины Чжан почитается учеными как "одного из величайших шедевров китайского цивилизации." [19] Примечание: свиток начинается с права. Китайская роспись Основная статья: Китайская роспись Дополнительная информация: История китайского искусства , династии Тан искусства и живописи династии Мин Весеннее утро в Хан дворца, по Мин-эра художника Цю Ина (1494-1552 н.э.) Самые ранние из сохранившихся () примеры китайском окрашены дату обложек к Воюющих царств период (481 - 221 до н.э.), с картинами на шелке или гробницы фрески на скале, кирпича или камня. Они часто были в упрощенном стилизованной формате и в более или менее примитивных геометрических узоров. Они часто изображается мифологические существа, бытовые сцены, трудовые сцены, или дворцовые сцены, наполненные чиновников в суде. Картины в этот период и последующее Династия Цинь (221 ​​- 207 до н.э.) и Хань (202 до н.э. - 220 г. н.э.) был сделан не как средство в и себя или для высшего самовыражения. Вместо работа была создана, чтобы символизировать и честь погребальные обряды, представления мифологических божеств или духов предков и т.д. Живопись на шелке судебных чиновников и бытовых сцен можно было бы узнать в эпоху династии Хань, наряду со сценами мужчины охоту на лошадях или принимая участие в Военный парад. Там также рисовал на трехмерных произведений искусства на фигурки и статуи, таких как оригинальных роспись цветов, покрывающих солдат и лошадей статуи Терракотовая армия . В ходе социального и культурного климата древней династии Восточная Цзинь (316 - 420 н.э.), основанной на Нанкин на юге, живопись стала одним из официальных играх конфуцианских -taught бюрократических чиновников и аристократов (наряду с музыкой, которую играет Guqin цитра, писать причудливую каллиграфию , и писать и читать поэзии). Картина стала распространенной формой художественного самовыражения, и в этот период художники в суде или среди элитных социальных схем были судимы и упорядоченных по их сверстников. Будда Шакьямуни , по Чжан Shengwen , 1173-1176 н.э., династии Сун период. Создание классической китайской пейзажной живописи аккредитована в основном к династии Восточная Цзинь художника Гу Kaizhi (344 - 406 н.э.), одного из самых известных художников в истории Китая. Как удлиненных прокрутки сцены Kaizhi, династия Тан (618 - 907 н.э.) китайские художники, как Ву Daozi окрашены ярко и весьма подробный искусства на длинных горизонтальных handscrolls (которые были очень популярны во время Тан), таких как его восемьдесят семь небесных народа. Окрашенные работа в период Тан относились эффекты идеализированной ландшафтной средой, со скудной количества объектов, лиц или деятельности, а также монохромные в природе (например: Фрески из гробницы Price Yide в в Qianling Мавзолей). Были также такие фигуры, как в начале Тан эпохи художника Жан Ziqian , который нарисовал превосходные пейзажи, которые были далеко впереди своего времени в изображении реализма. Тем не менее, садово-паркового искусства не достигли более высокого уровня зрелости и реализма в целом до пяти династий и десяти царств периода (907 - 960 н.э.). В течение этого времени, были исключительные пейзажисты, как Dong Yuan (обратитесь к этой статье для примера его художественных работ), и те, кто нарисовал более яркие и реалистичные изображениями бытовых сцен, как Гу Hongzhong и его Ночные Пирушек Хань Xizai. Loquats и горы Птица, анонимный художник династии Южная Сун ; Картины в стиле листа альбома, такие как это были популярны в Южной Сун (1127-1279). Во время китайского династии Сун (960 - 1279 н.э.), не только садово-паркового искусства был улучшен, но портретная живопись стала более стандартизированной и сложный, чем раньше (например, обратиться к императору Huizong Песни ), и достигла своего классического зрелости возраста во время Династия Мин (1368 - 1644 н.э.). В конце 13-го века и первой половины 14-го века, Китайский под монголо контролируемая династии Юань не разрешили поступать в высшие сообщения правительства (зарезервированы для монголов или других этнических групп из Центральной Азии), и Императорский экспертиза была прекращена для в настоящее время. Многие конфуцианские образованные китайцы, которые сейчас не хватало профессию обратился к искусству живописи и театра, а не, как период Юань стал одним из самых ярких и богатых эпох для китайского искусства. Примером таких бы Цянь Сюань (1235-1305 н.э.), который был официальным династии Сун, но из патриотизма, отказался служить в суд Юань и посвятил себя живописи. Примеры превосходным искусства этого периода включают богатые и подробные окрашенные росписи Юнлэ дворца, [20] [21] или "Dachunyang Долголетие Палас", из 1262 AD, ЮНЕСКО объектом Всемирного наследия. В дворце, картины занимают площадь более чем 1000 квадратных метров, и удерживайте в основном даосские темы. Это было во времена династии Сун, что художники также собираются в социальных клубах или встреч для обсуждения свое искусство или художественные работы других, в хваля которого часто приводило к уговорам торговать и продавать драгоценные произведения искусства. Тем не менее, было также много суровые критики других искусства, а, показывая разницу в стиле и вкус среди различных художников. В 1088 году нашей эры, эрудит ученый и государственный деятель Шэнь Куо однажды написал произведения искусства одного Li Cheng , который он критиковал следующим образом: ... Потом был Ли Ченг, который, когда он изобразил павильоны и домики на фоне гор, этажных зданий, пагод и т.п., всегда используемые красить карнизы , как видно из ниже. Его идея заключалась в том, что 'надо смотреть вверх снизу, так же, как человек, стоящий на ровном месте и глядя на карнизе пагоды можно увидеть свои стропила и свои консольные внахлёстку стропила. Это все неправильно. В целом правильный способ рисование пейзажа, чтобы увидеть небольшой с точки зрения большой ... так же, как человек смотрит на искусственных гор в садах (как один ходит). Если применить (метод Ли) к картине реальных горах, глядя на них снизу, можно увидеть только один профиль в то время, а не богатство их многочисленных склонах и профилей, не говоря уже о всем, что не собирается на в долинах и ущельях , и в переулках и дворах с их жилищ и домов. Если мы стоим на восток горы ее западные части будет на исчезающей границе далекой дистанции, и наоборот. Конечно, это нельзя было назвать успешным живопись? Г-н Ли не понять принцип «видеть небольшой с точки зрения большой '. Он был, конечно, изумительный по убывающей точно высот и расстояний, но если один придаем такое значение углов и углов зданий? [22] Цяньлун Император придерживаюсь каллиграфии , в середине 18-го века. Хотя высокий уровень стилизации, мистической привлекательности, и сюрреалистический элегантности часто предпочтительнее, чем реализма (например, в шань-шуй стиле), начиная со средневековой династии Сун было много китайских живописцев затем и после этого, кто изображен картины природы, которые были ярко-настоящему. Позже художники династии Мин бы после этого династии Сун акцентом для сложных деталей и реализма на объектах в природе, особенно в изображениях животных (например, уток, лебедей, воробьев, тигров и т.д.) среди пятнами ярких цветов и заросли кисти и древесина (Хорошим примером может быть картина Птицы анонимный династии Мин и сливы, [23] расположен в Freer галерее Смитсоновского музея в Вашингтоне, округ Колумбия). Были многие известные художники династии Мин; Цю Ин является отличным примером первостепенное Мин эпохи художника (известный даже в свое время), используя в своем творчестве бытовых сцен, шумный дворцовые сцены и сцены природы речных долин и погрязшие горы окутана в туман и закрученного облака. Во время династии Мин были также различны и конкурируя школы искусства, связанные с живописью, например, Wu школы и Чжэ школы . Классическая китайская живопись продолжил в начале современной династии Цин , с высоко реалистичные портретной живописью как видно в конце династии Мин в начале 17-го века. Портреты императора Канси , Yongzheng Император , и Цяньлун императора являются прекрасными примерами реалистической китайской портретной живописи. В период царствования Цяньлун и продолжающейся 19-го века, Европейский барокко стили росписи имели заметное влияние на китайских картинах портрета, особенно с нарисованными визуальных эффектов освещения и затенения. Точно так же, азиатские картины Восток и другие произведения искусства (например, фарфора и лакированными) высоко ценились в Европе с первого контакта в 16 веке. Муромати период , Shingei (1431-1485), Просмотр водопад, Nezu музей, Токио. [24] Японская живопись Основная статья: Японская живопись Японская живопись (絵 画) является одним из старейших и наиболее изысканный из японских искусств, реализует широкий спектр по жанров и стилей. Как и в истории японских искусств в целом, история японской живописи долгая история синтеза и конкуренции между носителями японского эстетики и адаптации импортных идей. укие-э , "картины изменчивого мира", это жанр японской гравюры печатает (или ксилографии ) и картины, произведенные между 17 и 20 веков, показывая мотивы пейзажей, театра и прогулочных кварталов. Это главный художественный жанр гравюры печати в Японии . Японская Графика особенно с периода Эдо , оказываемое огромное влияние на западной живописи во Франции в 19 веке. Южной Азии живопись Группа женщин из Южной Индии, Hindupur, с. 1540. Кришна обнимает гопи, Гита-Говинда-рукопись, 1760-1765. Плавающие рисунки Танцы, фреску в. 850. Wild Pig Hunt, с. 1540. Чанд Биби вразнос, Декан стиль, 18-го века Леди Прослушивание музыки, в. 1750. Rasamañjarî рукопись Bhânudatta (эротический трактат), 1720. Фреска фрагмент дама с зонтиком, с. 700. Bahsoli живопись Радхи и Кришны в дискуссии, с. 1730. Bahsoli живопись Махараджи Ситал Dev из Mankot в преданности, с. 1690. Портрет Ибрагим Адил Шах II (1580-1626) из Биджапура , 1615. Трон богатства, Nujûm-аль- 'улум-рукописи, 1570. Слон и детеныш из конюшни в Великих Моголов правителя, 17-го века. Mihrdukht стрелу сквозь кольцо, 1564-1579. Портрет Говардхана Чанда, Пенджаб стиле, с. 1750. Равана убивает Jathayu; плен Сита отчаивается, по Раджа Рави Варма Акбар и Тансен Посетить Харидас в Вриндаван, Раджастхан стиль, с. 1750. Человек с детьми, Пенджаб стиль, 1760. Радха арестовывает Кришна, Пенджаб стиль, 1770. Рама и Сита в лес, Пенджаб стиле, 1780. Индийский живопись Основные статьи: Индийская живопись и Моголов живопись Индийские картины исторически вращалась вокруг религиозных божеств и царей. Индийское искусство это собирательный термин для нескольких различных художественных школ, которые существовали в индийском субконтиненте . Картины варьировались от крупных фресок Аджанты к запутанным Моголов миниатюрных картин в металлических украшен работ из Tanjore школы. Картины от Gandhar - Таксилы находятся под влиянием персидских работ на западе. Восточная стиль живописи был в основном разработан вокруг Наланда художественной школы. Работы в основном вдохновлен различных сцен из индийской мифологии . История Скальные жилища Бхимбетка , наскальная живопись , каменного века , Индия Самые ранние индийские картины были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы , как найденные в таких местах, как Скальные жилища Бхимбетка , и некоторые из них старше 5500 г. до н. Такие работы продолжались и после нескольких тысячелетий, в 7 веке, резные столбы Аджанты , штат Махараштра настоящему прекрасный пример индийских картин, и цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов. Аджанта Пещеры в Махараштре, Индия скальных пещерах памятники, относящиеся ко времени второго века до нашей эры и содержащие картины и скульптуры, которые считаются шедеврами как буддийского религиозного искусства [25] и универсального изобразительного искусства. [26] Фреска из пещеры 1 Аджанты. Madhubani живопись Madhubani живопись это стиль индийской живописи, практикуется в Mithila области штате Бихар, Индия. Истоки Madhubani живописи окутаны древности. Богиня-Мать Миниатюрная живопись пахари стиле, начиная с восемнадцатого века. Пахари и Rajput миниатюры имеют много общих черт. Rajput живопись Rajput живопись , стиль индийской живописи , развивались и процветали, в 18 веке, в королевских дворов Раджпутане , Индия. Каждое царство Rajput развивались особый стиль, но с некоторыми общими чертами. Rajput картины изображают ряд тем, события эпоса, как Рамаяна и Махабхарата, жизни Кришны, прекрасные пейзажи, и людей. Миниатюры были предпочтительным средством раджпутской живописи, но несколько рукописей также содержат Раджпут картины, и картины были даже сделать на стенах дворцов, внутренние покои фортов, havelies, в частности, хавели из Shekhawait. Цвета извлекается из некоторых минералов, растительных источников, раковин, и были даже получены путем обработки драгоценных камней, были использованы золото и серебро. Подготовка нужных цветов был длительный процесс, иногда принимая недель. Кисти были использованы очень хорошо. Моголов живопись Два книжники сидящий с книгами и письменный стол Фрагмент декоративной краем Северной Индии (Великих Моголов школа), Калифорния 1640-1650 Моголов живопись особый стиль индийской живописи, как правило, приурочены к иллюстрации на книги и сделано в миниатюрах, и которые возникли, разработала и приняла формировать в период 16-й Империи Великих Моголов -19th веков. Танджор картины Танджор картина важной формой классического южно-индийского живописи уроженца города Tanjore в штате Тамил-Наду. Форма искусства восходит к ранней 9 века, а Период преобладают правителей Чола, которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, богатые цвета, и внимание к деталям. Темы для большинство из этих картин индуистских богов и богинь и сцены из индуистской мифологии. В наше время, эти картины стали большим спросом во сувенир праздничные мероприятия в Южной Индии. Процесс создания картины Танджор включает в себя множество этапов. Первый этап включает в себя изготовление предварительного эскиза изображения на базе. База состоит из ткань заклеили деревянную основу. Затем порошок или мел оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят на основание. Для того, чтобы база гладкой, мягкий абразив иногда используется. После рисунок выполнен, оформление ювелирных изделий и одеяния в изображении осуществляется с полудрагоценными камнями. Также используются шнурки или нити украсить украшения. На вершине этого, золотые пленки наклеиваются. Наконец, красители используются для добавления цвета, чтобы фигур в живописи. Мадрас школа Во время британского правления в Индии, показало, что корона Мадрас были некоторые из самых талантливых и интеллектуальных художественных умов в мире. Как англичане также установили Огромный поселение в Мадрасе и вокруг, Джорджтаун был выбран создать институт, который бы угодить художественных ожиданий членов королевской семьи в Лондоне. Это произошло чтобы быть известным как Мадрас школы. В первых традиционных художников были использованы для получения изысканные сорта мебели, металла, и диковинки, и их работа была направлена в королевских дворцах королевы. В отличие от Бенгальского школы, где «копирование» является нормой преподавания, Мадрас школа процветает на «создание« новых стилей, аргументов и тенденций. Бенгальский школа Основная статья: Бенгалия школа искусств Бхарат Мата по Abanindranath Тагора (1871-1951), племянник поэта Рабиндраната Тагора, и пионером движения Бенгальский школа искусства был влиятельным стиль искусства, которая процветала в Индии во время британского владычества в начале 20-го века. Это было связано с индейцем национализм, но также поощрять и поддерживать многих британских искусства администраторов. Бенгальский школа возникла как авангард и националистического движения реагирует против академических художественных стилей ранее способствовали в Индии, как со стороны индийских художников, таких как Раджа Рави Варма и в британских художественных школ. После широкого влияния индийских духовных идей на Западе, британский учитель рисования Эрнест Бинфилд Гавел пытались реформировать методы преподавания в Калькутте школы искусств, поощряя студентов подражать моголов миниатюры. Это вызвало огромный споры, приводит к удар студентами и жалоб от местной прессы, в том числе из националистов, которые считают, что это будет шагом назад шаг. Гавел поддержал художника Abanindranath Тагор, племянник поэта Рабиндраната Тагора. Тагор написал ряд работ под влиянием Моголов искусства, стиль, который он и Гавел верил, чтобы быть выразительным различных духовных качеств Индии, в отличие от «материализмом» Запада. Самый известный картина Тагора, Бхарат Мата (Мать Индия), изображен молодой женщина, изображается с четырьмя руками на манер индуистских божеств, держа объекты символических национальных устремлений Индии. Тагор позже пытались развивать связи с Японские художники, как часть стремления построить модель пан-Asianist искусства. Влияние бенгальского школы в Индии снизилась с распространением модернистских идей в 1920-х годах. В период после обретения независимости, индийские художники показали более приспособляемость как они заимствовали свободно от европейских стилей и объединены их свободно с индийскими мотивами к новым формам искусства. В то время как художники, как Фрэнсис Ньютон Суза и Tyeb Мехта были более западный в своем подходе, были и другие, такие как Ганеша Пайн и Макбул Фида Хусейн, которые разработали стили тщательно коренные работы. Сегодня после процесса либерализации рынка в Индии, художники испытывают больше воздействия международного арт-сцены, которая помогает им в новых с новыми формами искусства которые были до сих пор не видел в Индии. Jitish Kallat стрелял к славе в конце 1990-х годов с его картин, которые были как современные и выходит за рамки общего Определение. Тем не менее, в то время как художники в Индии в новом столетии пытаются новые стили, темы и метафоры, это не было бы возможно, чтобы получить такие быстро Признание без помощи бизнес-домов, которые в настоящее время входящих в поле искусства, как у них не было никогда раньше. Современный индийский живопись Основная статья: Современный индийский живопись Амрита Шер-Гил была индийская художница, иногда известный как Индии Фриды Кало, [27], и сегодня считается важным женщина живописца 20-го века в Индии, чье наследие стоит на одном уровне с тем, что из мастеров Бенгальского Возрождения; [28] [29], она также «самым дорогим» художником женщина Индии. [30] Сегодня она является одним Девять мастеров, чьи работы были объявлены художественных сокровищ археологической службы Индии, в 1976 и 1979, [31] и более 100 ее картины теперь отображаются в Национальной галерее современного искусства в Нью-Дели. [32] В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который используется западные идеи композиции, перспективы и реализм, чтобы проиллюстрировать индийские темы. Другие, как Jamini Рой, сознательно черпали вдохновение из народного искусства. К моменту обретения независимости в 1947 году, несколько школ искусства в Индии предоставляется доступ к современным технологиями и идеями. Галереи были созданы для продемонстрировать эти художники. Современный индийское искусство, как правило, показывает влияние западных стилей, но часто вдохновлены индийскими тем и образов. Основные художники начинают добиться международного признания, первоначально среди индийских диаспоры, но и среди не-индийской аудитории. Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после Индия стала независимой в 1947 году, был призван установить новые способы выражения Индию в пост-колониальных Эпоха. Основатели шесть выдающихся художников - КН Ara, СК Bakre, HA Гаде, М. Ф. Хусейна, SH Raza и FN Souza, хотя группа растворяли в 1956 году, он был глубоко влияние на изменение идиому индийского искусства. Почти все крупные художники Индии в 1950-х годах были связаны с группой. Некоторые из тех, кто хорошо известен сегодня Бал Чабда, Manishi Дей, Мукул Дей, В. С. Gaitonde, Рам Кумар, Tyeb Мехта, и Акбар Padamsee. Другие известные художники, такие как Jahar Дасгупта, Prokash Кармакар, Иоанна Уилкинс, Нараянан Рамачандрана и Bijon Чоудхури обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконы современного индийского искусства. Искусство историки, как проф Рай Ананд Кришна также называют тех произведений современных артистов, которые отражают индийский дух. Гита Vadhera была признание в переводе комплекс, индийский духовный Темы на холсте, как суфийской мысли, Упанишады и Бхагавад Гита. Индийское искусство получил повышение с экономической либерализации в стране с начала 1990-х годов. Художники из разных областей в настоящее время стали приносить в различных стилях работы. После Либерализация индийское искусство работает не только в пределах академических традиций, но и за ее пределами. Художники ввели новые понятия, которые до сих пор не были видел в индийском искусстве. Devajyoti Рэй ввел новый жанр искусства под названием Pseudorealism. Pseudorealist Искусство оригинальный художественный стиль, который был полностью разработан на Индийский почвы. Pseudorealism учитывает индийскую концепцию абстракции и использует его для преобразования регулярные сцены индийской жизни в фантастических образов. В после либерализации Индии, многие художники зарекомендовали себя на международном арт-рынке как абстрактного художника Natvar Bhavsar и скульптора Аниша Капура которого мамонта postminimalist Картины приобрели внимание на их огромных размеров. Многие художественные дома и галереи также открыли в США и Европе, чтобы продемонстрировать индийских картин. Филиппинский Живопись Основная статья: Искусство Филиппин Смотрите также: Женщины в филиппинской искусства Хуан Луна, Парижская жизнь, 1892 Фабиан де ла Роса, женщины, работающие в рисовом поле, 1902 Филиппинский картину в целом можно рассматривать как объединение многих культурных влияний, хотя он имеет тенденцию быть более западный в его нынешнем виде с восточными корнями. В начале филиппинских картина может быть найден в красном скольжения (глины, смешанной с водой) разрабатывает украшен на ритуальной керамики Филиппин, такие как известный Manunggul Jar. Данные филиппинского гончарное от уже 6000 было обнаружено до нашей эры в Санга-санга пещере, Сулу и Laurente пещере, Кагаян. Было доказано, что на 5000 г. до н.э., изготовление глиняной посуды было осуществлено по всей стране. Ранние филиппинцы начали делать глиняную посуду, прежде чем их соседи Камбоджи и примерно в то же время, как тайцев как часть того, что, как представляется, широкое развитие Ледниковый период гончарного технологии. Дальнейшие свидетельства живописи проявляются в тату традиции рано Филиппинцы, которых португальский исследователь называют Pintados или "Painted People" в Visayas. [33] Различные конструкции ссылок флора и фауна с небесным органы украшают свои тела в различной цветной пигментации. Может быть, некоторые из наиболее сложной картины, проделанной начале филиппинцев, которые выживают до настоящего времени может быть проявляется среди искусств и архитектуры в Maranao, которые хорошо известны наги драконов и Sarimanok резными и окрашены в красивый Panolong из их Torogan или Дом Короля. Филиппинцы начал создавать картины в европейской традиции в испанской период 17-го века. [34] Первые из этих картин были церковные фрески, религиозные образность из библейских источников, а также гравюры, скульптуры и литографии с изображением христианских икон и европейской знати. Большинство картин и скульптур между 19 и 20-го века произвел смесь религиозных, политических и ландшафтных искусства, с качествами сладости, темно, и свет. В начале модернистской художники, такие как Дамиан Доминго был связан с религиозными и светскими картинами. Искусство Хуан Луна и Феликса Идальго показал тенденцию к политическим заявлением. Художник такие, как Фернандо Amorsolo используется пост-модернизм, чтобы произвести картины, иллюстрирующие филиппинской культуры, природы и гармонии. В то время как другой художник, таких как Фернандо Zobel используется реалии и абстрактные на своей работе. В начале 1980-х годов другие уникальные народный художник существует один из них является ELITO Около а amangpintor известного филиппинского народного художника. Он использует свои собственные волосы, чтобы сделать его кисти, и подписывает его имя с его собственной крови на правой стороне его картин. Он разработал свои собственные стили без профессиональной подготовки или руководство от мастеров.     Хуан Луна, Смерть Клеопатры, 1881     Хуан Луна, Spoliarium, гр. 1884     Хуан Луна, Одалиска, 1885.     Хуан Луна, кровь Компактный, 1886     Феликс Resurreccion Идальго, Кристиан Девственницы подвергаясь населения, 1884     Феликс Resurreccion Идальго, La Barca де Aqueronte, 1887     Феликс Resurreccion Идальго, Автопортрет, гр. 1901     Феликс Resurreccion Идальго, Ла Марина, 1911, частное собрание     Фабиан де ла Роса ООН Recuerdo де-ла-Вилла Боргезе (воспоминание о Вилла Боргезе), 1909. Юго-Восточная Азия Смотрите также: балийского искусства, перечень индонезийских художников, индонезийской культуры, список малазийских художников и истории восточного искусства Западная живопись Смотрите также: западную живопись и древнего искусства Египет, Греция и Рим Древний Египет, цивилизация с очень сильными традициями архитектуры и скульптуры (как первоначально окрашены в яркие цвета), также было много настенной росписью в храмы и здания, и окрашенные иллюстрации на папирусных рукописей. Египетский роспись стены и декоративная живопись часто графика, иногда более символическое, чем реалистичными. Египетский картина изображает фигуры жирным контуром и плоской силуэт, в котором симметрия постоянной характеристикой. Египетский картина имеет тесную связь с письменного языка - называется египетские иероглифы. Окрашенные символы встречаются среди первых форм письменности. Египтяне также окрашены на белье, остатки которых выжить сегодня. Древние египетские картины сохранились из-за чрезвычайно сухого климата. Древние египтяне создали картины, чтобы сделать загробной жизни умершего приятное место. Темы включены в путешествие по загробной жизни или их защитные божества, представляя умерших богов подземного мира. Некоторые примеры таких картин картины богов и богинь Ра, Гора, Анубиса, орех, Осириса и Исиды. Некоторые картины могила показать, что деятельность погибшего участие в том, когда они были живы, и пожелал, чтобы продолжать делать для вечности. В Нового Царства и позже, Книга Мертвых был похоронен с Entombed человека. Это было считается важным для введения в загробной жизни.     Sennedjem плуги свои поля с парой волов, ок 1200 г. до н.э.     Древний Египет, Богиня Исида, настенная живопись, ca.1360 до н.э.     Древний Египет, королева Нефертари     Древний Египет, папирус Древний Египет Древний Египет Pitsa панели , один из немногих сохранившихся панно из архаической Греции , ок 540-530 до н.э. Симпозиум сцена в могиле Diver в Пестум , ок 480 до н.э. греческого искусства Кносский Римское искусство , Помпеи Римское искусство Римское искусство Римское искусство Римское искусство Римское искусство Римское искусство К северу от Египта был минойской цивилизации на острове Крит . Настенные рисунки, найденные во дворце Кносса аналогичны из египтян , но гораздо более свободный стиль. Вокруг 1100 г. до н.э., племена с севера Греции завоевали Грецию и греческое искусство взял новое направление. Древняя Греция была великих художников, великих скульпторов (хотя оба усилия были расценены как просто ручного труда в то время), и великих архитекторов. Парфенон является примером их архитектуры, которая длилась до сегодняшних дней. Греческий мраморная скульптура часто описывается как высшей формы классической искусства. Живопись на керамике Древней Греции и керамики дает особенно информативно заглянуть в, как общество в Древней Греции функционировали. Чернофигурная ваза живопись и Краснофигурный ваза картина дает много примеров сохранившихся что греческий картина была. Некоторые известные греческие художники на деревянных панелях, которые упоминаются в текстах Апеллеса , Зевксис и Parrhasius , однако ни одного примера древнегреческой панно не выжить, только Письменные описания по их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5-6 г. до н.э. и было сказано, чтобы быть первым, чтобы использовать сфумато . По Плиний Старший , реализм его картин была такова, что птицы пытался съесть окрашенные виноград. Апеллеса описывается как величайший живописец древности для совершенной техники в чертеже, яркие цвета и моделирования. Римское искусство под влиянием Греции и может частично быть приняты как потомок древнего греческого живописи. Тем не менее, Роман живопись действительно есть важные уникальные характеристики. Единственный выживший римские картины настенные росписи, многие из вилл в Кампании , в Южной Италии. Такая картина может быть сгруппированы в 4 основных «стилей» или периоды [35] и может содержать первые примеры сверхнатурализма , псевдо-точки зрения, и чистого пейзажа. [36] едва ли не единственным писал портреты выживших от Древнего мира большое количество гробов портретов вида бюста, найденных в позднеантичного кладбище Аль-Фаюм . Хотя это были ни один из лучший период, ни самого высокого качества, они впечатляют сами по себе, и дать представление о качестве, что самый прекрасный древний работа должна иметь. Очень небольшое количество миниатюр от поздней античности иллюстрированных книг также выжить, и довольно большее количество их копий из раннего средневековья. Средневековье Основные статьи: Средневековое искусство , Островные искусства , Каролингов искусство , англосаксонская искусство , романского искусства и готического искусства Хлопок Genesis миниатюра Авраама Конференц Ангелов Византийская икона , 6 век Византийские мозаики художественные в Равенне Византийская, 6-го века Лимбург Братья Лимбург Братья Книга Келлс Книга Келлс Евангелист портрет Каролингов Каролингов Сан-Марко Yaroslavl Gospels c. 1220S Giottino Vitale da Bologna Simone Martini Simone Martini Cimabue 's Santa Croce Crucifix Джотто Джотто Andrei Rublev Andrei Rublev , Ascension , 1408 Амброджо Лоренцетти Pietro Lorenzetti Duccio Bonaventura Berlinghieri , St Francis of Assisi , 1235 Voronet Monastery Хора Архангельский собор Подъем христианства придается иной дух, и стремиться к стилей живописи. Византийское искусство, как только его стиль был создан 6-го века, уделяет большое внимание на сохранении традиционной иконографии и стиля, и сравнительно мало изменился через тысячу лет Византийской империи и продолжающихся традиций греческого и Русская Православная икона -painting. Византийской живописи имеет особенно иератическая чувство и иконки были и до сих пор рассматривается как отражение божественного. Были также много росписи фреской, но меньше из них выжили, чем византийских мозаик. В целом Византии искусство границ на абстракции, в его плоскости и высоко стилизованные изображениях фигур и пейзажа. Тем не менее, есть периоды, особенно в так называемой Македонской искусства около 10-го века, когда византийское искусство стало более гибкими в подходе. Часослов В пост-Antique католической Европы Первая отличительная художественный стиль выясняться, что картина была включена Островные искусство Британских островах, где единственным выжившим примеры (и вполне вероятно, только среда, в которой был использован картина) миниатюры в манускриптов, таких как Келлская книга. [37] Это самый известный для их абстрактного украшения, хотя цифры, а иногда и сцен, также изображено, особенно в портретах евангелистов. Каролингов и Оттонов искусство также выживает в основном в рукописях, хотя некоторые Роспись остаются, и более документально. Искусство этого периода сочетает островных и "варварские" влияния с сильным Византийское влияние и стремление восстановить классическую монументальность и уравновешенность. Стены романского и готических церквей были украшены фресками, а также скульптуры и многие из немногих оставшихся росписей имеют большую интенсивность, и сочетают декоративные энергия островного искусства с новой монументальности в лечении фигур. Гораздо больше миниатюры в манускриптов выжить в период, показывая те же характеристики, которые продолжают в готический период. Панель живопись становится все более распространенным в романский период, под сильным влиянием византийских икон. К середине 13-го века, средневекового искусства и Готический живопись стала более реалистичной, с начала интерес в изображении объема и перспективы в Италии с Чимабуэ и затем его ученик Джотто. От Джотто на, лечение композиции лучших художников и стал гораздо более свободным и инновационный. Они считаются две большие средневековые мастера живопись в западной культуре. Чимабуэ, в византийской традиции, использовал более реалистичную и драматический подход к своему искусству. Его ученик, Джотто, взял эти инновации выше уровня, который, в свою очередь установить основы для западной живописи традиции. Оба художника были пионерами в движении к натурализму. Строили все больше и больше окон и применение цветными витражами стал основным в украшения. Один из самых известных примеров этого можно найти в Собор Нотр-Дам де Пари. К 14-м веке в западных обществах были и богаче и ухоженный и художники нашли новые покровителей в знати и даже Буржуазия. Манускриптов взял на нового персонажа и тонкий, модно одетые женщины судебные были показаны в их ландшафтов. Этот стиль вскоре стал известен как Интернациональная готика и темпера панно и алтари приобрел значение. Возрождение и маньеризм Основные статьи: Итальянская живопись эпохи Возрождения, маньеризм и Северной маньеризм Фра Анджелико Filippo Lippi Андреа Мантенья Masaccio The Expulsion of Adam and Eve from Eden , before and after restoration Паоло Уччелло Леонардо да Винчи Рафаэль Микеланджело Альбрехт Дюрер Джованни Беллини Titian Леонардо да Винчи Piero della Francesca Джорджоне Jacopo Tintoretto Сандро Боттичелли Robert Campin Роджер ван дер Вейден Ян ван Эйк Ян ван Эйк Hieronymous Bosch Pieter Bruegel Ганса Гольбейна Младшего Эль Греко Ренессанс сказал, что много будет золотой век живописи. Грубо охватывающих 14-через середины 17-го века. В Италии таких артистов, как Паоло Уччелло, фра Анджелико, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантенья, Филиппо Липпи, Джорджоне, Тинторетто, Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль, Джованни Беллини, Тициана и взял картину на более высокий уровень с помощью зрения, изучение человеческой анатомии и пропорции, и через их развитие беспрецедентной уточнения в рисования и живописи техники. Фламандские, голландские и немецкие художники эпохи Возрождения, таких как Ганса Гольбейна Младшего, Альбрехта Дюрера, Лукаса Кранаха, Маттиас Грюневальд, Hieronymous Bosch, и Питер Брейгель представляют собой подход, отличный от итальянских коллег, тот, который является более реалистичным и менее идеализированным. Жанровая живопись стала популярной среди идиома Северные художники, такие как Питер Брейгель. Новый правдоподобия в изображении реальности стало возможным с принятием масляной живописи, чье изобретение было традиционно, но ошибочно, приписывают Яну ван Эйка (важный переходный фигуры, мосты картину в средние века с живописью раннего Возрождения). В отличие от Итальянцы, чья работа в значительной степени опиралась от искусства Древней Греции и Рима, северяне сохранили стилистическую остаток скульптуры и освещенные рукописи Средние Века. Эти тенденции также наблюдаются в области Тудор Англии, который был под сильным влиянием протестантских беженцев из стран Бенилюкса. Ренессанс картина отражает революцию идей и науки (астрономия, география), которые происходят в этот период, Реформации, и изобретение печати нажмите. Дюрер, считается одним из величайших печатников, говорится, что художники не просто ремесленники, но мыслители, а также. С развитием станковой живописи в Ренессанс, живопись получила независимость от архитектуры. После столетий доминируют религиозные образы, светская предмет медленно вернулся к западной покраска. Художники включены видения мира вокруг них, или продуктов их собственных фантазий в их картинах. Те, кто мог позволить себе расходы могут стать меценатов и комиссии портреты себя или своей семьи. В 15-м и 16-м веках, панель картины, которые можно повесить на стенах и перемещать по желанию, становится все более популярным для обеих церквей и частных домов, чем фреска настенной живописи или картины включены в на постоянных структур, таких как алтарей. Высокое Возрождение породило стилизованной искусства, известного как Маньеризм. На месте сбалансированных составов и рационального подхода к перспективе, что характерно искусство на заре 16-го века, маньеризма искали нестабильность, искусственность и сомнения. Невозмущенные лица и жесты Пьеро делла Франческа и спокойных девственниц Рафаэля заменяются проблемных выражений Понтормо и эмоциональная интенсивность Эль Греко. Несколько десятилетий спустя северного маньеризма доминировали нидерландский и немецкое искусство до прибытия барокко. Барокко и рококо Основные статьи: барокко, золотой век голландской живописи, фламандской живописи барокко, рококо и Quadratura Караваджо Полынь Джентилески Frans Hals Питер Пауль Рубенс Ян Вермеер Рембрандт ван Рейн Диего Веласкес Nicolas Poussin José de Ribera Salvatore Rosa Клод Лоррен Anthony van Dyck Джованни Баттиста Тьеполо Антуан Ватто Jean-Honoré Fragonard François Boucher Élisabeth Vigée-Lebrun Maurice Quentin de La Tour Thomas Gainsborough Джошуа Рейнолдс Jean-Baptiste-Siméon Chardin Уильям Хогарт Фрэнсис Хейман     Анжелика Кауфман Барокко картина связана с барокко культурного движения, движения часто отождествляется с абсолютизмом и Контрреформации католической или Возрождения; [38] [ 39] существование важной живописи барокко в не-абсолютистских государств и протестантских также, однако, подчеркивает свою популярность, так как распространение по всей Западной стиль Европа. [40] Барокко картина характеризуется великой драмы, богатый, глубокий цвет и интенсивный свет и темные тени. Искусство барокко должна была вызывать эмоции и страсть, а не спокойным рациональность, которая ценится в эпоху Возрождения. Во время периода, начинающегося около 1600 и на протяжении 17-го века, живопись характеризуется а барокко. Среди величайших художников эпохи барокко Караваджо являются, Рембрандта, Франса Хальса, Веласкеса, Рубенса, Пуссена, и Яна Вермеера. Караваджо является наследником гуманист живопись Высокого Возрождения. Его реалистичный подход к человеческой фигуры, окрашенные непосредственно из жизни и резко прожектора на темном фоне, шокировал своих современников и открыл новую главу в истории живописи. Живописи барокко часто драматизирует сцены, используя световые эффекты; это можно увидеть в работах Рембрандт, Вермеер, Ленен и Ла Тур. В 18-м веке, в стиле рококо с последующим в легкой расширения барокко, часто фривольного и эротического. Рококо разработан первый в декоративном искусстве и дизайне интерьера во Франции. Правопреемства Людовика XV с принесли изменения в придворных художников и общего художественного моды. В 1730 представлял высоту развития Рококо во Франции Примером работ Антуана Ватто и Франсуа Буше. Рококо по-прежнему поддерживается стиле барокко в сложных формах и замысловатыми узорами, но к этому моменту, он начал интегрировать различные разнообразных характеристик, в том числе вкусом восточных конструкций и асимметричных композиций. Стиль Рококо распространился с французскими художниками и гравированных изданиях. Было легко получил в католических районах Германия, Богемия, и Австрия, где он был объединен с оживленных немецких барочных традиций. Немецкий рококо был применен с энтузиазмом к церквям и дворцах, особенно на юге, в то время как Frederician рококо разработан в Пруссии. Французские мастера Ватто, Буше и Фрагонара представляют стиль, как и Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист Симеон Шарден, который, по мнению некоторых, как Лучший французский художник 18-го века - Anti-рококо. Портреты был важным компонентом живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидеры Уильям Хогарт, тупым стиле реализма, и Фрэнсис Хейман, Анжелика Кауфман (который был швейцарцем), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестно стили под влиянием Энтони ван Дейка. В то время как во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грез (любимый художник Дени Дидро), [41] Морис-де-ла-Квентин Тур, и Элизабет Виже-Лебрен высоко достигнуто портретистов и истории художников. Уильям Хогарт помог развить теоретические основы для красоты Рококо. Хотя это и не умышленно ссылки движение, он утверждал в своем анализе Красота (1753) что волнообразные линии и S-кривые видных в стиле рококо были основой для изяществом и красотой в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме). Начало конца для Рококо пришел в начале 1760-х годов, как фигуры, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель начали высказывать свою критику в поверхностности и вырождение искусства. Блондель порицал "смешной беспорядок раковин, драконов, тростника, пальмовых деревьев и растений" в современных интерьерах. [42] К 1785, рококо был вышел из моды во Франции, заменено порядка и серьезности неоклассических художников, как Жак-Луи Давид. 18 и 19 веков: неоклассицизм, история живописи, романтизм, импрессионизм, импрессионизм сообщение, Символизм Основные статьи: неоклассицизм, История живописи, романтичность, Импрессионизм, сообщение Импрессионизм и символизм (статьи)     Жак-Луи Давид 1787     Джон Синглтон Копли 1778     Джон Констебль 1802     Антуан-Жан Гро 1804     Жан Огюст Доминик Энгр 1814     Франсиско де Гойя 1814     Теодор Жерико 1819     Каспар Давид Фридрих c.1822     Карл Брюллов 1827     Эжен Делакруа 1830     JMW Тернер 1838     Гюстав Курбе 1849-1850     Иван Айвазовский 1850     Альберт Бирштада 1866     Камиль Коро c.1867     Илья Репин 1870-1873     Клод Моне 1872     Пьер-Огюст Ренуар 1876     Эдгар Дега 1876     Эдуард Мане 1882     Томас Икинс 1884-1885     Жорж Сёра 1884-1886     Валентин Серов 1887     Винсент Ван Гог 1889     Альберт Пинкхэм Райдер 1890     Поль Гоген 1897-1898     Уинслоу Хомер 1899     Поль Сезанн 1906 После рококо возник в конце 18-го века, в архитектуре, и в живописи, то серьезные нео-классицизм, лучше всего представлены в таких художников, как Давид и его наследника Энгр. Работа Энгра уже содержит много чувственности, но ни один из спонтанности, что не было охарактеризовать романтизм. Это движение обратила свое внимание к ландшафта и природы, а также человеческой фигуры и верховенства естественного порядка выше воли человечества. Существует философия пантеистом (см Спиноза и Гегель) в этой концепции, которая выступает против Просвещения идеалы, видя судьбу человечества в более трагической или пессимистического света. Идея, что человеческие существа не выше силы природы находится в противоречии с древних греческих и эпохи Возрождения идеалы, где человечество более всего и принадлежащих его судьбу. Это мышление привело романтические художников изображают возвышенные, разрушенные церкви, кораблекрушений, массовые убийства и безумие. По художники середины 19-го века стал освобожденным от требований их покровительством только изображают сцены из религии, мифологии, портретной или истории. Идея "искусства ради искусства "стали находить свое выражение в работе художников, как Франсиско де Гойя, Джона Констебла и Уильяма Тернера. Романтические художники оказалось пейзажной живописи в Основным жанром, не считается до тех пор, как несовершеннолетнего жанра или в качестве декоративного фона для композициями. Некоторые из основных художников этого периода Эжен Делакруа, Теодор Жерико, JMW Тернер, Каспар Давид Фридрих и Джон Констебль. В конце работы Франсиско де Гойя "с показывает Романтический интерес к иррациональному, время работа Арнольда Беклина вызывает тайна и картины Эстетическая движение художника Джеймса Макнейл Уистлер вызывают и изысканность и упадок. В Соединенных Государства, Романтические традиции пейзажной живописи был известен как реки Гудзон школы: [43] показатели включают Томас Коул, Фредерик Эдвин Церкви, Альберт Bierstadt Томас Моран, и Джон Фредерик Кенсетт. Luminism был движение в американской пейзажной живописи, связанной с рекой Гудзон школы. Молодая мать Шитье, Мэри Кассат Ведущий Барбизон школы художник Камиль Коро окрашены в обоих романтичный и реалистичный вены; его работа предвосхищает импрессионизм, как и картины Эжена Буден, который был одним из первых французских пейзажистов рисовать на открытом воздухе. Буден был также важное влияние на молодого Клода Моне, которого в 1857 году он представил в пленэрной живописи. Главной силой в свою очередь к реализму в середине века Гюстав Курбе. В последней трети века импрессионистов, таких как Эдуара Мане Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Мэри Кассат, и Эдгар Дега работал в более прямой подход, чем было ранее не выставлялись публично. Они избегали аллегории и повествование в пользу индивидуальных ответов на современном мире, иногда окрашены мало или нет Подготовительный исследование, опираясь на ловкость рисунка и высоко хроматической палитре. Мане, Дега, Ренуар, Моризо, Кассат и сосредоточены в первую очередь на человека-субъекта. И Мане и Дега толкование классических канонов образные в пределах современных условиях; в случае Мане в переосмысления встретился с враждебной общественной приемной. Ренуар, Моризо, Кассат и повернулся к внутренней жизни для вдохновения, с упором на Ренуар обнаженная. Моне, Писсарро, Сислея и использовал пейзаж, как их основной Мотив, быстротечность света и погодных играет важную роль в их работе. В то время как Сислей наиболее тесно привязаны к оригинальным принципов импрессионизма восприятия ландшафта, Моне стремился проблемы в более хроматических и изменчивых условиях, кульминацией в серии монументальных работ кувшинок окрашены в Живерни. Эдвард Мунк, 1893, ранний пример экспрессионизма Писсарро принял некоторые из экспериментов постимпрессионизма. Чуть моложе постимпрессионистов, как Винсент Ван Гог, Поль Гоген, и Жорж Сера, по с Поль Сезанн привело искусство к краю модернизма; для Гоген Импрессионизм уступили личного символизма; Сера преобразуется сломанной цвет Импрессионизм в в научно оптического исследования, структурированная на фриз, как композиций; Турбулентный метод Ван Гога применения краски, в сочетании со звучным использование цвета, предсказал Экспрессионизм и фовизм, и Сезанн, желая объединить классическую композицию с революционной абстракции природных форм, будет теперь рассматриваться в качестве предшественника Искусство 20-го века. Заклинание импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в США, где он стал неотъемлемой частью живописи американца Импрессионисты, такие как Чайльд Хассам, Джон Twachtman, и Теодор Робинсон; и в Австралии, где художники Гейдельбергского школы, такие как Артур Стритон, Фредерик McCubbin и Чарльз кондер окрашены пленэре и были особенно заинтересованы в австралийском ландшафта и света. Он также оказывает влияние на художников которые не были в первую очередь Импрессионистский в теории, как в портретной и альбомной художника Джона Сингера Сарджента. В то же время в Америке в начале 20-го века существовала родной и почти островной реализм, а богато воплощены в переносном работы Томаса Икинс, в зольник школы и пейзажи и морские пейзажи из Уинслоу Хомер, которого все картины были глубоко инвестировали в солидности природных форм. Провидцем пейзаж, мотив во многом зависит от неоднозначности ноктюрн, нашел своих сторонников в Альберт Pinkham Райдер и Ральф Альберт Блейклок. В конце 19-го века также было несколько, а отличается, группы символистов художников, чьи произведения созвучны молодых художников 20-го века, особенно с фовистов и сюрреалистов. Среди них были Гюстав Моро, Одилон Редон, Пьера Пюви де Chavannes, Анри Фантен-Латур, Арнольд Беклин, Эдвард Мунк, Félicien Ропс, и Ян Тороп, и Гюстав Климт среди других, включая русских символистов, как Михаил Врубель. Символисты художники добывали мифологии и образы мечты для визуального языка души, ищет выразительные картины, которые принесли в голову статичный мир молчания. Символы, используемые в символизма не знакомые эмблемы основной иконографии, но глубоко личные, частные, неясные и двусмысленные ссылки. Более чем философия текущая стиль искусства, художники-символисты влияние на современную движение ар-нуво и Les Наби. В их разведку из сказочных предметов, символиста художники находят через века и культур, так как они до сих пор; Бернард Delvaille описал сюрреализм Рене Магритта "с", как символизма плюс Фрейда ". [44] 20-го века и новейшей Основные статьи: Современное искусство, модернизм и современное искусство Наследие художников, как Ван Гог, Сезанн, Гоген, и Сёра важное значение для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисса и несколько других молодых художников революцию в мире искусства в Париже с "дикой", разноцветный, выразительные, пейзажи и фигуры картин, которые критики называемых фовизм , Пабло Пикассо сделал свои первые картины кубизма, основанные на идее Сезанна, что все изображение природы могут быть сведены к трем твердых веществ: куб, шар и конус. Пионеры 20-го века     Анри Матисс 1905, фовизм     Пабло Пикассо 1907 Прото-Кубизм     Жорж Брак 1910 Аналитический кубизм     Анри Руссо 1910 Примитивные Сюрреализм Анри Матисс 1909, в конце фовизм Наследие художников, как Ван Гог, Сезанн, Гоген, и Сёра важное значение для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисса и несколько других молодых художников в том числе предварительной кубизма Жоржа Брака, Андре Дерен, Рауль Дюфи и Морис Вламинк де революцию в мире искусства в Париже с "дикой", Разноцветные, выразительные, пейзажи и фигуры картины, что критики называют фовизм - (как видно в галерее выше). Анри Матисса Вторая версия The Dance означает ключевую точку в своей карьере и в развитии современной живописи. [45] Она отражает начавшийся обаяние Матисса с первобытного искусства: интенсивное тепло Цвета против прохладной Сине-зеленый фон и ритмичную последовательность танцуют обнаженные передать чувства эмоционального освобождения и гедонизма. Пабло Пикассо сделал его первые картины кубизма, основанные на идее Сезанна, что все изображение природы могут быть сведены к трем твердых телах: куб, шар и конус. С картины Les девицы Авиньона 1907 (см галереи) Пикассо резко создал новую и радикальную картину, изображающую сырой и примитивный бордель сцену с пятью проститутками, неистово окрашены женщины, напоминающие маски африканских племен и своих новых изобретений. кубизма Аналитическая кубизм (см галерею) был разработан совместно Пабло Пикассо и Жоржа Брака, Примером скрипки и подсвечник, Париж, (видели выше) от примерно 1908 через 1912 Analytic кубизма, в первый ясный проявления кубизма, последовало синтетический кубизм, практикуется Брака, Пикассо, Фернана Леже, Хуана Гриса, Альберт Gleizes, Марселя Дюшана и бесчисленных других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм характеризуется введением различных текстур, поверхностей коллажных элементов, папье-Колле и большим разнообразием объединенного предмета. Пьер Боннар, 1913, Европейский модернистской Сюжетные картины Джорджо де Кирико 1914 предварительно Сюрреализм Лес фовистов (французский язык для диких зверей) были художники начала 20-го века, экспериментируя со свободой выражения через цвет. Название было дано, с юмором, а не как комплимент, в группу по искусствоведа Луи Vauxcelles. Фовизм был недолгим, и свободное группирование художников начала 20-го века, чьи произведения подчеркнул живописный качества, и творческое использование глубокого цвета на представительских значений. Фовистов сделал предмет живописи легко читать, преувеличены перспективы и Была выражена интересно пророческим предсказанием фовистов в 1888 году Поль Гоген Пола Серюзье, "Как вы видите эти деревья Они желтый Так, положить в желтый;?. Эта тень, а синий, покрасить его с чистой ультрамарина;? Эти красные листья Положить в киноварь." Лидеры движения были Анри Матисс и Андре Дерен - дружественные соперников рода, каждый со своими последователями. В конечном счете Матисс стал Ян Пикассо инь в 20 веке. Фовизма художники были Альберт Марке, Чарльз Camoin, Морис Вламинк, де Рауля Дюфи, Othon Friesz, голландский живописец Кес ван Донген, Партнер Пикассо в кубизма Жоржа Брака среди других. [46] фовизм, как движение, не было никаких конкретных теорий, и было недолгим, начиная в 1905 году и заканчивая в 1907 году, они только имели три выставки. Матисс видел, как лидера движения, из-за его старшинство в возрасте и предварительного самоутверждения в академического искусства Мир. Его портрет 1905 мадам. Матисс Зеленая линия (выше), вызвало сенсацию в Париже, когда он был впервые выставлен. Он сказал, что хочет, чтобы создать произведение искусства в восторг; искусство а украшение его цель и, можно сказать, что его использование ярких цветов пытается сохранить спокойствие композиции. В 1906 году по предложению его дилера Амбруаз Воллар, Андре Дерен отправился в Лондон и выпустил серию картин, как Чаринг-Кросс, Лондон Бридж (выше) в стиле фовизма, перефразируя известный Серия по художник-импрессионист Клод Моне. Мастера, как Анри Матисса и Пьера Боннара продолжает развивать свои повествовательные стили независимо от любого движения в течение 20-го века. К 1907 году фовизм больше не было шокирующим новое движение, вскоре он был заменен на кубизма экране радара критиков, как последний новой разработки в современном искусстве Время. В 1907 году Апполинер, комментируя о Матисса в статье, опубликованной в Ла Falange, сказал: "Мы здесь не в присутствии экстравагантным или экстремистской Предприятие: искусство Матисса является вполне разумным "[47] Аналитическая кубизм (см галерею) был разработан совместно Пабло Пикассо и Жоржа Брака примерно 1908 до конца. 1912 Аналитический кубизм, первое четкое проявление кубизма, последовал синтетического кубизма, практикуется Брака, Пикассо, Фернана Леже, Хуана Гриса, Альберт Gleizes Марсель Дюшан и бесчисленное множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм характеризуется введением различных текстур, поверхностей коллажных элементов, папье-Колле и большой выбор объединены темой. За годы между 1910 и в конце первой мировой войны и после расцвета кубизма, несколько движений появились в Париже. Джорджо Де Кирико переехал в Париж в июле 1911, где он присоединился к своему брату Андреа (поэт и художник известен как Альберто Савинио). Через своего брата он встретил Pierre Laprade члена жюри на салоне Осеннем, где он выставил три из своих сказочных работ: Загадка Oracle, Загадка второй половине дня и автопортрет. Во 1913 году он выставлял свои работы в Салоне Независимых и Осеннем салоне, его работа была замечена Пабло Пикассо и Гийом Аполлинер и ряд других. Его убедительные и таинственные картины считается важную роль в начале начал сюрреализма. (См галерею) В первой половине 20-го века в Европе мастеров, как Жорж Брак, Андре Дерен и Джорджо Де Кирико продолжал писать независимо от любого движения. Пионеры современного искусства Андре Дерен, 1905, Ле дез séchage вуаль (Сушка паруса), фовизм     Анри Матисс, 1905, Женщина с Hat, фовизма     Жан Метценже, 1905-06, Baigneuse, ДЕЗ и настройки данс ип Экзотический сад (два Обнаженные в экзотическом Пейзаж), дивизионизм, Прото-кубизм     Эдвард Мунк, Смерть Марата I (1907), пример экспрессионизма     Густав Климт, экспрессионизм, 1907-1908     Пабло Пикассо, 1908, Дриада, Прото-Кубизм     Марк Шагал 1911 экспрессионизм и сюрреализм     Марсель Дюшан, 1911-1912, кубизм и дадаизм     Альберт Gleizes, 1912, л'Ом Au Балкон, Человек на балконе (Портрет доктора Тео Morinaud), кубизм     Жан Метценже, 1912, Danseuse Au кафе (Танцовщица в кафе), кубизм     Франц Марк 1912 Синий всадник     Роберт Делоне, 1911, Орфизм     Фрэнсис Пикабиа, 1912, La Source (Источник), Абстрактное искусство     Василий Кандинский 1913 рождение абстрактного искусства     Амедео Модильяни, Сутина портрет 1916 года, примером экспрессионизма     Фернан Леже 1919 года, синтетического кубизма, tubism В первые два десятилетия 20-го века и после кубизма, появились несколько других важных движений; футуризм (Балла), абстрактное искусство (Кандинский), Синий всадник ), Баухаус (Кандинский) и (Клее), Орфизм (Роберт Делоне и Франтишека Купка), Synchromism (Морган Рассел), Де Стиль (Мондриан), супрематизм (Малевич ), Конструктивизм (Татлин), дадаизм (Дюшан, Пикабиа, Арп) и сюрреализм (Де Кирико, Андре Бретон, Миро, Магритт, Дали, Эрнст). Современная живопись под влиянием все изобразительное искусство, от модернистской архитектуры и дизайна, до авангарда, кино, театре и современного танца и стал экспериментальная лаборатория для выражения визуальный опыт, от фотографии и конкретной поэзии, чтобы рекламного искусства и моды. Картина Ван Гога оказали большое влияние на 20-го века экспрессионизма, а можно увидеть в работе фовистов, Die Brücke (группа во главе с немецкого художника Эрнста Кирхнера), и экспрессионизм Эдварда Мунка, Эгон Шиле, Марк Шагал, Амедео Модильяни, Хаим Сутин и другие .. Василий Кандинский русский живописец, гравер и теоретик искусства, один из самых известных художников 20-го века, как правило, считается первым важным художник современный абстрактное искусство. В качестве первого модерн, в поисках новых способов визуального выражения, и духовного выражения, он предположил, как и современные оккультисты и теософы, что чистая абстракция визуальный была следствия вибрации со звуком и музыкой. Они утверждал, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его ранние абстракции как правило, под названием, как, например, в (выше галерее) Состав VII, делая подключение к работе композиторов музыки. Кандинский включены многие его теории о абстрактного искусства в своей книге О духовном в искусстве. Роберт Делоне был французский художник, который связан с орфизме (напоминает ссылку между чистой абстракции и кубизма). Его поздние работы были более абстрактный, напоминает Пауля Клее. Его ключевыми факторами абстрактной живописи, обратитесь к его смелое использование цвет, и ясно, любовь экспериментирования глубины и тона. По приглашению Василия Кандинского, Делоне и его жены художника Соня Делоне, присоединился Синий всадник (Синий всадник), Мюнхен основанное группой художников-абстракционистов, в 1911 году, и его искусство приняли поворот к абстрактному. [48] Другие крупные пионеры начале абстракции включают русский художник Казимир Малевич, который после революции в России в 1917 году, и после давления со стороны сталинского режима в 1924 году вернулся в образах живописи и крестьян и рабочих в области, и швейцарским художником Пауля Клее которого мастерски цвет эксперименты сделали его важную пионер абстрактная живопись в Bauhaus. Тем не менее другие важные пионеры абстрактной живописи включают в себя шведскую группа Хильма аф Клинт, чешский художник Франтишек Kupka а также Американские художники Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Рассел, который в 1912 году основал Synchromism, в художественное движение, что очень напоминает орфизма. Экспрессионизм Символизм и широкие рубрики, которые включают несколько важных и связанных с движениями в живописи 20-го века, которые доминировали большую часть авангардного искусства делается в Западной, Восточной и Северной Европы. Экспрессиониста работы были написаны в основном между Первой мировой войны и Второй мировой войны, в основном во Франции, Германии, Норвегии, Россия, Бельгия, Австрия и. Экспрессиониста художников связаны как сюрреализма и символизма, и каждый однозначно и несколько эксцентрично личным. Фовизм, Die Мост, и Синий всадник три из самых известных групп экспрессионизма и символизма художников. Художники также интересные и разнообразные, как Марк Шагал, которого картина, которую я и в деревне, (выше) говорит автобиографический рассказ, который исследует отношения между Художник и его происхождение, с лексикой художественного символизма. Густав Климт, Эгон Шиле, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, Хаим Сутин, Джеймс Энсор, Оскар Кокошка, Эрнст Людвиг Кирхнер, Макс Бекман, Франц Марк, Кете Кольвиц Шмидт, Жорж Руо, Амедео Модильяни, а некоторые из-за рубежа, как американцы Марсден Хартли, и Стюарт Дэвис, были рассмотрены влиятельных экспрессиониста художников. Хотя Альберто Джакометти, в первую очередь думал о качестве интенсивного сюрреалистической скульптора, он сделал интенсивные картины экспрессиониста, а также. Пионеры абстракции     Пит Мондриан, 1912, в начале Де Стиль     Казимир Малевич 1916 супрематизм     Тео ван Дусбург 1917 Де Стиль, Нео-Plasticism     Стэнтон Макдональд-Райт 1920 года, Synchromism Искусство Пит Мондриан "с было также связано с его духовным и философских исследований. В 1908 году он заинтересовался теософского движения запущен Елены Петровны Блаватская в конце 19-го века. Блаватская считает, что можно было достичь знания о природе более глубокое, чем это предусмотрено эмпирическим путем, и много работы Мондриана на всю оставшуюся жизнь был вдохновлен его поиски, что духовное знание. Пит Мондриан, 1937-42, Де Стиль Морган Рассел, Космический Synchromy (1913-14), Synchromism Де Стиль, также известный как neoplasticism, был голландский художественной движение, основанное в 1917 году термин Де Стиль используется для обозначения тела работы с 1917 по 1931 основал в Нидерланды. [49] [50] Де Стиль также название журнала, который был опубликован в голландского художника, дизайнера, писателя, критика и Тео ван Doesburg распространяющегося теории группы. Рядом с ван Дусбург, главные члены группы были художники Пит Мондриан, Вилмос Huszar, и Барт ван дер Лек и архитекторы Геррит Ритвельда, Роберт Ван 'т Хофф, и JJP Ауд. Художественная философия, формируется основа для работы группы известен как neoplasticism - новые пластиковые искусство (или Ньиве Beelding на голландском языке). Сторонники Де Стиль стремился выразить новый утопический идеал духовной гармонии и порядка. Они выступали чистой абстракцией и универсальность за счет сокращения на Основы формы и цвета; они упростили визуальные композиции в вертикальном и горизонтальном направлениях, и используются только основные цвета наряду с черным и белым. Действительно, в соответствии с Тейт галерея "онлайн статье с по neoplasticism сам Мондриан устанавливает эти разграничения в своем эссе« Нео-Plasticism в изобразительного искусства. Он пишет: «... эта новая пластиковая идея будет игнорировать сведения о внешности, то есть, естественную форму и цвет. Напротив, она должна найти свое выражение в абстракция формы и цвета, то есть, в прямой и четко определенной основного цвета. "В статье приведены далее Тэйт, что это искусство позволяет "Только основные цвета и не-цвета, только квадраты и прямоугольники, только прямо и горизонтальной или вертикальной линии." [51] онлайн статье Музей Гуггенхайма "с Де Stijl суммирует эти черты в подобных условиях: "Это [Де Стиль] был положено на фундаментальном принципе геометрии прямой линии, квадрата, и Прямоугольник, в сочетании с сильным asymmetricality; преимущественное использование чистых основных цветов с черным и белым; и отношения между положительным и отрицательным элементы в расположении необъективных форм и линий. "[52] Движение Де Стиль под влиянием кубизма живописи, а также мистикой и представлений о «идеальных» геометрических форм (например, "идеальный прямой линии") в неоплатоническая философия математик MHJ Schoenmaekers. Работы Де Стиль будет влиять на стиль Bauhaus и международного стиля архитектуры, а также одежда и дизайн интерьера. Тем не менее, это не следовать общим рекомендациям «изм» (кубизм, футуризм, сюрреализм), равно как и не придерживаться принципов искусства школы, как Bauhaus; это был коллективный проект, совместное предприятие. Дада и сюрреализм Основные статьи: дада и сюрреализм     Фрэнсис Пикабиа, "ICI, c'est ICI Штиглица, Вера и любовь", крышка 291, № 1, 1915, в начале Дада     Фрэнсис Пикабиа 1916 Дада     Курт Швиттерс 1919, окрашены коллаж, дада     Андре Массон, 1922, в начале Сюрреализм Фрэнсис Пикабиа, (слева) Le Saint де святые c'est де Moi qu'il s'agit данс CE портрет, 1 июля 1915 (В центре) Портрет сГипе Jeune Fille Americaine данс l'переворот де nudité 5 июля 1915 (справа) J'ai вю др c'est де Toi qu'il s'agit Де Заяс! Де Заяс! Je суис вену сюр-ле-Rivages дю Пон-Euxin, Нью-Йорк, 1915 Марсель Дюшан, голая, спускающийся по лестнице, № 2, 1912, Музей искусств Филадельфии Марсель Дюшан, пришел к международной известности в результате его пресловутой успеха в Нью-Йорке Armory Show в 1913 году, (вскоре после он осудил artmaking для шахматы). После Обнаженная Дюшана, спускающаяся по лестнице стал международный причина Celebre в 1913 Armory Show в Нью-Йорке он создал Невеста голые по Ее Бакалавры, даже, Большое стекло. Большое стекло толкнул искусство живописи радикальных новых ограничений, являющихся частью живописи, коллажа, часть часть строительства. Дюшан стал тесно связаны с движением Dada, который начался в нейтральном Цюрихе, Швейцария, во время Второй мировой войны и достигла максимума с 1916 по 1920 г., прежде всего, движение участвует изобразительное искусство, литература (поэзия, искусство манифесты, теория искусства), театр, и графический дизайн, и сосредоточила свое анти-политическая война через отказ от преобладающих Стандарты в искусстве через анти-художественных произведений культуры. Фрэнсис Пикабиа (см выше), Ман Рэй, Курт Швиттерс, Тристан Тзара, Ганс Рихтер, Жан Арп, Софи Той- бер-Арп, наряду с Дюшана и многие другие, связанные с дадаистов движения. Дюшан и несколько дадаистов, также связаны с сюрреализма, движения, которые доминировали Европейская живопись в 1920-х и 1930-х годов. В 1924 году Андре Бретон опубликовал манифест сюрреалистов. Сюрреалистического движения в живописи стало синонимом avant- Авангард и который показал художников, чьи работы отличались от абстрактного к супер-реалиста. С работами на бумаге, как машина Включите быстро, (выше) Фрэнсис Пикабиа продолжил свою причастность к движению дадаизма по 1919 в Цюрихе и Париже, прежде, чем вырваться из него после разработки интерес к сюрреалистической искусства. Ив Танги, Рене Магритт и Сальвадор Дали особенно известны их реалистическими изображениями образов сновидений и фантастических проявлений воображения. Жоан Миро "с Пропашных Поле 1923-1924 граничащий на абстракции, это рано живопись комплекса объектов и фигур, и договоренностей сексуально активными персонажами; был Миро первый Сюрреалистический шедевр. [53] более абстрактный Жоан Миро, Жан Арп, Андре Массон, Макс Эрнст и были очень влиятельными, особенно в Соединенных Штатах в течение 1940-е годы. На протяжении 1930-х годов, сюрреализм по-прежнему становятся более заметными для общественности в целом. Сюрреалистический группа разработала в Великобритании и, в соответствии с Бретоном, их 1936 Лондонский международный сюрреалист выставка была высокая вода знак период и стал моделью для международных выставок. Сюрреалисты группы в Японии, и особенно в Латинской Америке, странах Карибского бассейна и в Мексике было произведено инновационные и оригинальные произведения. Дали и Магритт создал некоторые из наиболее широко признанных изображений движения. 1928/1929 картина Это не трубка, по Магритта находится предметом Мишель Фуко 1973 книга, это не трубы (английское издание 1991 года), который обсуждает картину и ее парадокс. Дали присоединился к группе в 1929 году, и участие в быстрый создание визуального стиля между 1930 и 1935. Сюрреализм в качестве визуального движения нашел способ: чтобы разоблачить психологический истину зачистки обычные предметы в их нормальном значении, для того, чтобы создать убедительным образ, который был за обычной формальной организации, и восприятие, иногда вызывая сочувствие от зрителя, иногда смех, а иногда и возмущение и недоумение. 1931 год отмечен, когда несколько художников-сюрреалистов производится работ, которые, отмеченные поворотные моменты в их стилистической эволюции: в одном примере (см галерею выше) жидкости формы становятся торговой маркой Дали, в частности, в его Постоянство памяти, в котором есть изображение часов, которые провисают, как будто они тают. Вызывания Время и его убедительным тайна и абсурд. [54] Характеристики этого стиля - сочетание изобразительное, абстрактный, а психологическая - пришли, чтобы стоять за отчуждение, которое испытывал много людей в модернистской период, в сочетании с чувством достижения более глубоко в психике, чтобы быть "сделал целое с своей индивидуальности." Макс Эрнст, 1920, в начале Сюрреализм Макс Эрнст, чьи картины 1920 Убийство Самолет, изучал философию и психологию в Бонне и был заинтересован в альтернативных реальностей, с которыми сталкиваются с ума. Его картины, возможно, был вдохновлен исследования психоаналитик Зигмунд Фрейда из заблуждений параноика, Даниэль Шребера Павла. Фрейд определил фантазии Шребера на становится женщина в комплекс кастрации. Центральный образ двух пар ног относится к гермафродитных желаний Шребера. Надпись Эрнста на задней Картина гласит: картина любопытно, потому что его симметрии. Два пола уравновешивают друг друга. [55] В 1920 работа Андре Массон "с был чрезвычайно влиятельным в помощи вновь прибыл в Париж и молодой художник Жоан Миро найти свои корни в новой сюрреализма покраска. Миро признается в письмах к дилеру Пьер Матисс важность Массон в качестве примера для него в его ранние годы в Париже. Еще долго после личные, политические и профессиональные напряженность фрагментирован группу сюрреалистов в воздухе и эфире, Магритта, Миро, Дали и других сюрреалистов продолжают определять визуально программу в области искусства. Другие видные художники-сюрреалисты включают Джорджо де Кирико, Meret Оппенгейм, Tøyen, Грегуар Michonze Роберто Матта, Кей Сейдж, Леонора Каррингтон, Доротея загара, и Леонор Фини среди других. Между войнами     Эгон Шиле, экспрессионизм и символизм 1912     Эрнст Кирхнер Die Brücke 1913     Амедео Модильяни Символика и экспрессионизм 1917     Стюарт Дэвис Американский модернизм 1922 Пауль Клее, 1922, Bauhaus Синий всадник был немецкий движение прочного с 1911 по 1914, фундаментальный к экспрессионизму, наряду с Die Brücke, которая была основана в предыдущее десятилетие в 1905 году и был Группа немецких художников-экспрессионистов формируется в Дрездене в 1905 году членами основания Die Brücke были Фриц Bleyl, Эрих Геккель, Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Роттлуфф. Позже входили Макс Пехштейн, Отто Мюллер и другие. Группа была одной из них семенные, которые в свое время оказали большое влияние на Эволюция современного искусства в 20 веке и создали в стиле экспрессионизма. [56] Василий Кандинский, Франц Марк, Август Маке, Алексей фон Явленский, которого психически экспрессивной живописи Российской танцор Портрет Александра Sakharoff, 1909 в галерее выше, Марианна Веревкина фон, Лионель Файнингера и другими основал группу Синий всадник в ответ на отказ от живописи Кандинского Последняя Решение с выставки. Синий всадник не хватало центрального художественного манифеста, но была сосредоточена вокруг Кандинского и Марка. Художники Габриэле Münter и Пауль Клее, были участие также. Патрик Генри Брюс, американский модернизм, 1924 Название движения происходит от живописи Кандинского созданный в 1903 году (см иллюстрацию). Он также утверждал, что имя могли быть получены от энтузиазма Марк в для лошадей и любви Кандинского в синий цвет. Для Кандинского, синий цвет духовности: темнее синий, тем больше она пробуждает стремление человека к вечная. В США в период между Первой мировой войны и художников Второй мировой войны, как правило, идут в Европу за признание. Художники, как Марсден Хартли, Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис, создали репутацию за рубежом. В Нью-Йорке, Альберт Пинкхэм Райдер и Ральф Блейклок были влиятельные и значимые фигуры в расширенный Американская живопись между 1900 и 1920 в течение 1920 Альфред Штиглиц фотографа выставлены Джорджия О'Киф, Артур Голубь, Альфред Генри Маурер, Чарльз Демут, Джон Марин и другие артисты, включая европейских мастеров Анри Матисса, Огюста Родена, Анри Руссо, Поля Сезанна, и Пабло Пикассо, в его галерее 291. Общественное сознание Смотрите также: Социальный реализм, регионализм (статья) и мексиканский muralism     Джордж Грос, 1920, Neue Sachlichkeit     Томас Харт Бентон 1920, регионализм     Джордж Беллоуз, 1924, американский реализм     Чарльз Демут Весна, 1921, Американский прецизионизм (прото поп-арт) Диего Ривера, Отдых Человек на распутье (переименован парня, контроллер Вселенной), первоначально созданного в 1934 году, мексиканский движение muralism Грант Вуд, 1930, соцреализм В 1920-е и 1930-е годы и Великой депрессии, сюрреализма, кубизма, в конце Баухауза, Де Стиль, Дада, немецкого экспрессионизма, экспрессионизма, модернистской и и мастерские художники, такие как цвет Анри Матисса и Пьера Боннара характеризуется европейской художественной сцене. В Германии Макс Бекман, Отто Дикса, Джордж Грос и другие политизирован свои картины, предвещая приход Второй мировой войны. В то время как в Америке американской сцене живописи и социального реализма и регионализма движений, содержится как политический и социальный комментарий преобладают мир искусства. Художники, как Бен Шан Томас Харт Бентон, Грант Вуд, Джордж, Джон Tooker Стюарт Карри, Реджинальд Марш, и другие стали заметным. В Латинской Америке, кроме уругвайского художника Хоакин Торрес Гарсиа и Руфино Тамайо из Мексики, движение монументалист с Диего Ривера, Давид Сикейрос, Хосе Ороско, Педро Гомес и Nel Сантьяго Мартинес Дельгадо и картин символистов по Фриды Кало начал возрождение Живопись для региона, с использованием цвета и исторический, и политических сообщений. Фрида Кало "с символист работы также относятся сильно сюрреализма и в магический реализм Движение в литературе. Психологическая драма во многих автопортретов Кало (выше) подчеркивают жизненную силу и актуальность ее картин художникам в 21 века. Американская готика является картина Грант Вуд из 1930 Изображая вилы -holding фермера и моложе женщина в передней части дома в готическом стиле Карпентер, это один из самых узнаваемых образов в американском искусстве 20-го века. Искусствоведы были благоприятные мнения о картине, как Гертруда Стайн и Кристофер Морли они предполагали, Картина должна была быть сатира сельской жизни маленького городка. Таким образом, было видно, как часть тенденции к более критических изображениями сельской Америке, а линии Шервуд Андерсона 1919 Уайнсбурге, штат Огайо, Синклера Льюиса 1920 Main Street, и Карл Ван Вехтена "с татуированной графини в литературе. [57] Однако, с Начало Великой депрессии, картина стала рассматриваться как изображение пристальным американского пионера духа. Диего Ривера, пожалуй, самый известный в мире общественного 1933 г. росписи, "Человек на распутье", в холле здания RCA в Рокфеллер-центре. Когда его покровителя Нельсон Рокфеллер обнаружили, что росписи включены портрет Владимира Ленина и других коммунистических изображений, он выстрелил Ривера, и незаконченная работа была в конце концов уничтожен сотрудниками Рокфеллера. Фильм Колыбель будет качаться включает в себя инсценировку полемики. Фрида Кало работы (жены Риверы), часто характеризуется их абсолютных изображениями боли. Из ее 143 картин 55 автопортреты, которые часто включают символические портреты ее физическое и психологические раны. Кало был глубоко под влиянием коренного мексиканской культуры, которая проявляется в ярких цветах Ее картины "и драматические символизма. Кристиан и Еврейские темы часто изображается в своей работе, а также, она сочетает в себе элементы классического религиозного Мексиканская традиция-которые часто кровавый и жестокий, с сюрреалиста визуализации. В то время как ее картины не открыто Христианин - она ​​была, в конце концов, общепризнанным коммунистом - они, конечно, содержать элементы мрачной мексиканской христианина стиль религиозной живописи. Политическая деятельность была важной частью жизни Давида Сикейроса ", и часто вдохновили его отложить свою артистическую карьеру. Его искусство было глубоко укоренено в мексиканской Революция, насильственная и хаотичным период в мексиканской истории, в которой различные социальные и политические группировки боролись за признание и власти. Период с 1920-х годов 1950 известен как мексиканский Возрождения, и Сикейрос принимал активное участие в попытке создать искусство, которое было сразу мексиканской и универсальным. Он кратко дал картину сосредоточиться на организации шахтеров в штате Халиско. Он провел политическую художественной мастерской в ​​Нью-Йорке в рамках подготовки к 1936 Всеобщая забастовка мира и День мая парада. Молодой Джексон Поллок приняли участие в семинаре и помогли построить поплавки для парада. Между 1937 и 1938 году он участвовал в гражданской войне в Испании вместе с испанцами Республиканские силы, в оппозиции к военным переворотом Франциско Франко. Он был сослан в два раза из Мексики, один раз в 1932 году и снова в 1940 году, после его покушения на Льва Троцкого. Всемирный конфликт     Макс Бекман 1938-1940, экспрессионизм     Василий Кандинский Композиция Х 1939 Геометрическая абстракция     Аршил Горький 1929-1936, предварительно абстрактный экспрессионизм     Томас Харт Бентон, сократить линию, 1944, американская жанровая живопись Во время радикальных левых политике 1930 характеризуется многие из художников, связанных с сюрреализма, в том числе Пабло Пикассо. [58] 26 апреля 1937 года во время испано Гражданская война, Басков город Герники была сцена "Бомбардировка Герники" по Легиона Кондор нацистской Германии люфтваффе. Немцы атакуют, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко свергнуть правительство Басков и республиканского правительства Испании. Город был опустошен, хотя сборки Бискайским и дуба Герники выжил. Пабло Пикассо нарисовал его росписи размера Герника в память об ужасах бомбардировок. Пабло Пикассо Герника 1937, протест против фашизма В своем окончательном виде, Герника это огромная черно-белый, 3,5 м (11 футов) в высоту и 7,8 метра (26 футов) в ширину росписи роспись маслом. Фреска представляет сцену смерть, насилие, жестокость, страдания и беспомощность, не изображая их непосредственных причин. Выбор краски в черно-белых контрастов с интенсивностью Сцена изображена и вызывает непосредственность газеты фотографии. [59] Пикассо нарисовал фреску размером картину под названием Герника в знак протеста против бомбардировок. Картина была впервые выставлена ​​в Париже в 1937 году, затем в Скандинавии, затем Лондон в 1938 году и, наконец, в 1939 году по просьбе Пикассо картины был отправлен в Соединенные Штаты в расширенном кредита (на хранение) в МоМА. Картина не пошел на экскурсию музеев на территории США до его окончательного возвращения в Музее современного искусства в Нью-Йорке Город, в котором она была выставлена ​​в течение почти тридцати лет. Наконец, в соответствии с пожеланиями Пабло Пикассо, чтобы дать картину к народу Испании в качестве подарка, он был отправлен в Испания в 1981 году. Во время Великой депрессии 1930-х годов, через годы Второй мировой войны американского искусства характеризуется соцреализма и американского сцены живописи (как показано выше) в работа Грант Вуд, Эдвард Хоппер, Бен Шан Томас Харт Бентон, и ряд других. Ночные ястребы (1942) является картина Эдварда Хоппера, что изображает людей, сидящих в центре закусочной поздно ночью. Это не только наиболее известные картины Хоппера, но один из самых узнаваемых в американском искусстве. В настоящее время в коллекции Институт искусств Чикаго. Сцена была вдохновлена ​​закусочной (с разрушенной) в Гринвич-Виллидж, дом окрестности Хоппера в Манхэттене. Хоппер начал писать его сразу после нападения на Перл-Харбор. После этого события было большой чувство мрачности всей стране, ощущение, что изображается в живописи. уличный пуст вне закусочной, и внутри ни один из трех покровителей не по-видимому, смотреть или говорить с другими, но вместо этого потерял в свои мысли. Это изображение современной городской жизни, как пустой или одинокой является общей темой всей работы Хоппера. Динамический для художников в Европе в 1930-е годы резко ухудшилось, как власти нацистов в Германии и по всей Восточной Европе увеличился. Климат стал настолько враждебно для художников и искусства, связанных с модернизма и абстракции, что многие уехали в Северной и Южной Америке. Дегенеративное искусство было термин принят нацистского режима в Германии для практически все современное искусство. Такое искусство было запрещено на том основании, что это было не по-немецки или еврейская большевистская в природе, и те, которые определены как вырожденные художников были подвергаться санкциям. Они включали увольнения из должностей преподавателей, которые запрещено выставлять или продавать свое искусство, а в некоторых случаях их запрещено полностью производить искусство. Вырожденная Искусство было также название выставки, установленный фашистами в Мюнхене в 1937 году, состоящий из модернистских произведений хаотично зависших в сопровождении текста этикетки высмеивая искусство. Предназначен для нагнетания общественное мнение против модернизма, выставка впоследствии отправился в ряде других городов в Германии и Австрии. Немецкий Художник Макс Бекман и десятки других бежали в Европу в Нью-Йорке. В Нью-Йорке новое поколение молодых и интересных художников-модернистов во главе с Аршил Горки, Виллем де Кунинг и другие только начинают совершеннолетия. Аршил Горки "с кем-то портрет, который может быть Виллем де Кунинг (выше) пример эволюции абстрактного экспрессионизма из контекста фигурного живописи, кубизм и сюрреализм. Вместе со своими друзьями де Кунинг и Джон Д. Грэм Горького создано био-morphically фасонных и абстрагированные беспредметные композиции, что к 1940-ым превратилась в полностью абстрактных картин. Работа Горького, кажется, тщательный анализ памяти, эмоций и формы, используя строку и цвет, чтобы выразить чувства и характер. К середине века     Фрида Кало 1940, Латинской Америки Символизм     Эдвард Хоппер, 1953, американская жанровая живопись     Люсьен Фрейд 1951 - 1952, Британский Фигуративная живопись     Джорджо Моранди, 1956, Натюрморт Эдвард Хоппер 1942 американская жанровая живопись В 1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовал триумф американского абстрактного экспрессионизма, модернистской движение, в сочетании уроки, извлеченные из Анри Матисса, Пабло Пикассо , Сюрреализм, Джоан Миро, кубизм, фовизм, и в начале модернизм с помощью великих учителей в Америке, как Ханс Хофманн и Джон Д. Грэм. Американские художники воспользовались Наличие Пита Мондриана, Фернана Леже, Макс Эрнст и группы Андре Бретон, галерея Пьера Матисса и галереи Пегги Гуггенхайм "с художественной этого века, как а также других факторов. Образное работа Фрэнсиса Бэкона, Фриды Кало, Эдвард Хоппер, Люсьена Фрейда, Эндрю Уайет и других служили своего рода альтернатива абстрактный экспрессионизм. После Второй мировой войны американская живопись называют Абстрактный экспрессионизм включены художников, как Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Аршил Горки, Марк Ротко, Ханс Хофманн, Clyfford Тем не менее, Франц Клайн, Адольф Готлиб, Марк Тоби, Барнетт Ньюман, Джеймс Брукс, Филипп Гастон, Роберт Мотеруэлл, Конрад Marca-Relli, Джек Tworkov, Уильям Baziotes, Ричард Pousette-Дарт, Объявление Рейнхардт, Гедда Стерн, Джимми Эрнст, Эстебан Висенте, Брэдли Уокер Томлин, и Теодорос Stamos, среди др. Американский Абстрактный экспрессионизм получил свое название в 1946 году от искусствоведа Роберта Коутс. Она рассматривается как объединение эмоциональную интенсивность и самоотречение Немецкие экспрессионисты с анти-образной эстетики европейских абстрактных школ, таких, как футуризм, Баухаус и синтетического кубизма. Абстрактный экспрессионизм, Действие картины, и цвет полевой картины являются синонимами Нью-йоркской школы. Технически Сюрреализм был важным предшественником для абстрактного экспрессионизма с его акцентом на спонтанных, автоматической или подсознательном создании. Джексон Поллок 'ы капель краски на холст, установленной на полу метод, который имеет свои корни в работе Андре Массон. Еще одним важным ранним проявлением того, что пришел, чтобы быть абстрактный экспрессионизм работа американского Северо-Западный художника Марка Тоби, особенно его "белый" письма холсты, которые, хотя, как правило, не больших масштабах, предвидеть "во всем" вид капельного картин Поллока. Абстрактный экспрессионизм Основные статьи: Абстрактный экспрессионизм, живопись действия, Цвет поле живопись и лирической абстракции     Виллем де Кунинг 1952-1953 Образное абстрактный экспрессионизм     Франц Клайн 1954 живопись действия     Марк Тоби, 1954, Гимн, абстрактный экспрессионизм, каллиграфия, Северо-Западный школа     Барнетт Ньюман, Голос Огня, 1967, Color Field - абстрактный экспрессионизм Джексон Поллок, синий поляки, 1952, Национальная галерея Австралии Кроме того, Абстрактный экспрессионизм есть образ бытия мятежный, анархический, весьма своеобразный и, некоторое чувство, а нигилистическое. На практике этот термин применяется к любому числу художников, работающих (в основном) в Нью-Йорке, которые были совершенно разные стили, и даже применительно к работе, не особенно абстрактные, ни экспрессионистического. Энергичные "действий" картины Поллока, с их "занято" ощупь, отличаются технически и эстетически, в жестокие и гротескные женщин серии Виллема де Кунинг. Как видно выше, в галерее девушку V является одним из серии из шести картин, сделанных де Кунинга между 1950 и 1953, которые изображают три четверти длины женщина фигура. Он начал первое из этих картин, девушку я коллекция: Музей современного искусства, Нью-Йорк, в июне 1950 года, неоднократно меняется, и картина из изображения до января или февраля 1952 года, когда картина была заброшенной незавершенным. Искусствовед Мейер Шапиро увидел картину в студии де Кунинга вскоре и призвал группа упорствовать. Ответ Де Кунинга было начаться еще три картины на ту же тему; Женщина II коллекция: Музей современного искусства, Нью-Йорк Город, Женщина III, Тегеран Музей современного искусства, девушку И.В., Нельсон-Аткинс Музей искусств, Канзас-Сити, Миссури. Летом 1952 года, провел в Ист Хэмптоне, де Кунинг дальнейшего изучения темы через рисунки и пастели. Он может иметь законченную работу на девушку I в конце июня, или, возможно, вплоть до ноября 1952 года, и возможно, другие три женщины были заключены картинки на гораздо то же время. [60] Серия девушку решительно образные картины. Еще один важный художник Франц Клайн, как показали его живописи High Street, 1950 года (см галереи), а с Джексона Поллока и других абстрактных экспрессионистов, был назван "действия художника" из-за его, казалось бы, спонтанного и интенсивной стиле, ориентируясь меньше, или не на всех, на цифрах или изображений, но и на реальных ударов кисти и использования холста. см текст Роберт Мотеруэлл, Элегия для испанской Республики № 110 см текст Clyfford менее 1957 Цвет поле - Абстрактный экспрессионизм Clyfford Тем не менее, Барнетт Ньюман (см выше), Адольф Готлиб, и спокойно мерцающие блоки цвета в работе Марка Ротко "с (что не то, что, как правило, быть называется экспрессионист и которые Ротко отказано было абстрактные), классифицируются как абстрактных экспрессионистов, хотя и от того, что Клемент Гринберг назвал направление Цвет поля абстрактного экспрессионизма. И Ханс Хофманн (см галерею) и Роберт Мазервелл (галерея) может быть удобно описано, как практиков живописи действия и цветового поля покраска. Абстрактный экспрессионизм имеет много стилистических сходство с русских художников начала 20-го века, таких как Василий Кандинский. Хотя это правда, что спонтанность или из впечатление спонтанности характеризуется многие из абстрактных экспрессионистов работ, большинство этих картин участвуют тщательного планирования, особенно с их большой Размер требовал. Исключение может быть капельные картины Поллока. Ханс Хофманн 1959-1960 Абстрактный экспрессионизм и геометрической абстракции Почему этот стиль получил признание в мейнстрим 1950-х годов является предметом дискуссий. Американский Социальные реализм был основной в 1930 году. Он был под влиянием не только Великой депрессии, но и социал-реалистов Мексики, таких как Давид Альфаро Сикейрос и Диего Ривера. Политический климат после Второй мировой войны не было долго терпеть социальные протесты этих живописцев. Абстрактный экспрессионизм возник во время Второй мировой войны и стал демонстрироваться в начале 1940-х годов в галереях в Нью- Йорк, как искусство этого века галерее. Конце 1940-х до середины 1950-х годов эра Маккарти. Это было после Второй мировой войны и время политическая консерватизм и экстрим художественный цензура в Соединенных Штатах. Некоторые люди предположили, что, поскольку предмет был часто полностью абстрактные, Аннотация экспрессионизм стал безопасной стратегией для художников заниматься этим стилем. Абстрактное искусство можно рассматривать как аполитичный. Или, если искусство было политическим, сообщение было в значительной степени по инсайдеры. Тем не менее, эти теоретики в меньшинстве. В качестве первого действительно оригинального школы живописи в Америке, Абстрактный экспрессионизм продемонстрировали жизнеспособность и Творчество страны в послевоенные годы, а также его способность (или необходимости), чтобы разработать эстетическое чувство, что не было ограничено европейским стандартам красота. Хотя Абстрактный экспрессионизм быстро распространился по всей территории Соединенных Штатов, основные центры этого стиля были в Нью-Йорке и Калифорнии, особенно в Нью-Йорке Школа и площадь Сан-Франциско. Абстрактные картины экспрессиониста имеют определенные характеристики, в том числе использование больших полотен, "все-над" подхода, в которой весь холст обрабатывают равное значение (в отличие от центра будучи больший интерес, чем к краям). Холст, как на арене стал кредо действия живопись, в то время как целостность картинной плоскости стала кредо художников Цвет поле. Многие другие художники начал выставляться их абстрактный экспрессионист, связанных с картины в 1950-х в том числе Альфред Лесли, Сэм Фрэнсис, Джоан Митчелл, Хелен Франкенталер, Су Twombly, Милтон Резник, Михаил Гольдберг, Норман Блум, Рэй Паркер, Николас Кароне, Грейс Hartigan, Фридель Dzubas, и Роберт Goodnough среди других. Хелен Франкенталер 1952 Цвет поле картина В 1950 Цвет поле картина изначально называют конкретного типа абстрактного экспрессионизма, особенно работу Марка Ротко, Clyfford Тем не менее, Барнет Ньюман, Роберт Мотеруэлл и Адольф Готлиб. Это существенно вовлечены абстрактные картины с большими плоскими просторы цвета, которые выразили чувственный и визуальный чувства и свойства больших площадей нюансов поверхности. Искусствовед Клемент Гринберг воспринимается Цвет поля картину по сравнению с, но отличается от действий живописи. Общая протяженность и гештальт работе в начале цветовых полей художников говорит о почти религиозного опыта, благоговение перед лицом расширяющейся вселенной чувственность, цвет и поверхность. В начале и середине 1960-х годов, Цвет поле картина попала обратиться к стилям художников, как Жюль Olitski, Кеннет Ноленд и Елены Франкенталер, чьи работы были связаны с второго поколения абстрактного экспрессионизма, и молодых художников, таких как Ларри Zox, и Фрэнк Стелла, - все движется в новый Направление. Художники, как Clyfford Тем не менее, Марк Ротко, Ханс Хофманн, Моррис Луис, Жюль Olitski, Кеннет Ноленд, Хелен Франкенталер, Ларри Zox, и другие часто используется значительно снижается ссылки на природу, и они окрашены очень сочлененной и психологического использования цвета. В целом эти художники устранены узнаваемым образность. В горах и на море, от 1952 года, (см выше) семенной работа Цвет поле картины Хелен Франкенталер художник использовал технику пятно для первого Время. В Европе было продолжением Сюрреализм, кубизм, дадаизм и произведения Матисса. Кроме того, в Европе, ташизма (европейский эквивалент в абстрактный экспрессионизм) взял новейшего поколения. Серж Поляков, Николя де Сталь, Жорж Матье, Виейра да Силва, Жан Дюбюффе, Ив Кляйн и Пьер Сулаж среди других считаются важными фигурами в послевоенной европейской живописи. В конце концов абстрактная живопись в Америке превратилась в движений, таких как Нео-Дада, Цвет поле живописи, живописной абстракции сообщение, оп-арта, жесткого края картины, минимальная искусство, формы холстины, лирической абстракции, нео-экспрессионизма и продолжение абстрактный экспрессионизм. В ответ на тенденции к абстракции образность появились через различные новых движений, в частности, поп-арта. Поп арт Основная статья: Поп-арт     Джаспер Джонс 1954-55 предпусковой Поп-арт     Энди Уорхол, Мэрилин Диптих 1962, поп-арт     Рой Лихтенштейн, Whaam, 1963 Поп-арт     Уэйн Тибо, три машины, 1963, поп-арт Ранее в Англии в 1956 году термин Поп-арт был использован Лоуренс Alloway для картин, которые праздновали потребительство после Второй мировой войны. Это движение отклонил абстрактный экспрессионизм и его акцент на герменевтики и психологической интерьера, в пользу искусства, которое изображено, и часто отмечается материала потребительской культуры, реклама и иконография массового производства возраста. [61] Ранние произведения Дэвида Хокни и произведения Ричарда Гамильтона Питер Блейк и Эдуардо Паолоцци были Рассмотренные примеры семенных в движении. Клас Ольденбург, губная помада, 1969, сделанные окрашенные предметы, Поп скульптура Поп-арт в Америке был в значительной степени изначально вдохновлен работами Джаспера Джонса, Ларри Риверс, и Роберта Раушенберга. Хотя картины Джеральд Мерфи Стюарт Дэвис и Чарльз Демут в течение 1920-х и 1930-х годов установлен стол для поп-арта в Америке. В Нью-Йорке в середине 1950-х годов Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс создал произведения искусства, которые на первый взгляд, чтобы быть продолжением абстрактного экспрессиониста живописи. На самом деле их работы и работа Ларри Риверс, были радикальными отклонения от абстрактного экспрессионизма, особенно в использовании банального и буквальном образы и включения и объединения мирских материалов в своей работе. инновации конкретного применения Джонса 'различных изображений и объектов, таких как стулья, цифр, задач, пивных банок и американского флага; Реки картины субъектов обращается с популярная культура, таких как Джордж Вашингтон пересечения Делавэр, и его включения изображений от рекламы, как верблюд с Camel сигарет, и Удивительные сооружения Раушенберга, использующие включения объектов и картин взяты из популярной культуры, хозяйственных магазинах, свалки, на улицах города, и таксидермии привело к радикальному нового движения в американском искусстве. В конце концов к 1963 году движение стало известно во всем мире как поп-арт. Американская поп-арт на примере художников: Энди Уорхола, Клас Ольденбург, Уэйн Тибо, Джеймс Розенквиста, Джим Дайн, Том Wesselmann и Рой Лихтенштейн среди др. Наиболее важная работа Лихтенштейна, возможно Whaam! (1963, Галерея Тейт Модерн, Лондон [62]), один из самых ранних известных примеров поп-арта, адаптировать комиксов Панель с 1962 выпуска DC Comics 'All-American мужчин войны. [63] На картине изображен истребитель стрельбы ракету в вражеского самолета, с красно-желтый взрыв. Мультяшном стиле усугубляется использованием звукоподражательное буквами "Whaam!" И в штучной упаковке надписи "я нажал управления огнем ... и впереди меня ракеты пылал в небе ... "[62] Поп-арт сливается популярный и массовую культуру с изобразительного искусства, в то время как инъекции юмор, иронию, и узнаваемые образы и содержание в смеси. В октябре 1962 Сидни Янис галерея установлены новые реалисты первый крупный выставка поп-арт группы в верхней части города художественной галерее в Нью-Йорке. Сидни Янис установлен Выставка в 57-й стрит магазина возле своей галерее на 15 E. 57th Street. Шоу вызвало шок через нью-йоркской школы и разнеслись по всему миру. Ранее Осенью 1962 года исторически важным и новаторским новой окраске общие объекты выставка поп-арт, куратор Вальтер Hopps в Художественном музее Пасадена шокировала всей западной части Соединенных Штатов. В то время как в центре сцены в Ист-Виллидж 10th Street галереи художников Нью-Йорка были формулирования американской версии поп-арта. Клас Ольденбург был его магазина и окрашенные предметы, сделанные и Зеленый Галерея на 57-й улице стал показывать Тома Wesselmann и Джеймс Розенквиста. Позже Лео Кастелли выставлены другие американские художники в том числе большая часть карьеры Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна и его использования Benday точек, метод, используемый в коммерческих воспроизводства. Существует связь между радикальными работ Дюшана и Ман Рэя, восставших дадаистов - с чувством юмора; и поп-исполнителей, как Алекс Кац (который стал известен своей пародия-х портретной фотографии и загородной жизни), Клас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие. В то время как в 20-м веке многие художники продолжали практиковать пейзаж и переносном картины с современными предметами и твердой техники, как Милтон Эйвери, Джон Д. Грэм, Fairfield Портер, Эдвард Хоппер, Бальтус, Фрэнсис Бэкон, Николя де Сталь, Эндрю Уайет, Люсьен Фрейд, Франк Ауэрбах, Филипп Перлстайн, Дэвид Парк, Натан Оливейра, Дэвид Хокни, Малкольм Морли, Ричард Эстес Ральф Гоингс, Одри Флэк, Чак Клоуз, Сьюзан Ротенберг, Эрик Фишль, Вия Celmins и Ричард Diebenkorn. Образное, Пейзаж, Натюрморт, вид на море, и реализм     Эдвард Хоппер, Эль-станция (1908) Городской     Бальтус, 1951, образно экспрессионизм     Фрэнсис Бэкон, руководитель В.И., 1949, Британский экспрессионизм     Милтон Эйвери, 1958, пейзаж В 1930-х годах через 1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в движений, таких как абстрактного экспрессионизма, Цвет поле живопись, сообщение живописной абстракция, оп-арта, живопись жёстких контуров, минимальная искусства, формы холстины, и лирической абстракции. Другие художники отреагировали в ответ на тенденции к абстракция, позволяющая образное образы, чтобы продолжить с помощью различных новых контекстах, как Bay Area изобразительных движения в 1950-е годы и новых форм экспрессионизма от 1940-е годы через 1960-х. В Италии в это время, Джорджо Моранди был всего натюрморт художник, исследуя разнообразные подходы к изображению каждый день бутылки и кухонные принадлежности. [64] На протяжении 20-го века многие художники практикуется Реализм и используется выразительный образы; практикующих пейзаж и переносном живопись с современными предметами и твердой техники и уникальной выразительности, как натюрморт художника Джорджо Моранди, Милтон Эйвери Джон Д. Грэм, Fairfield Porter Эдвард Хоппер, Эндрю Уайет, Бальтус, Фрэнсис Бэкон, Леон Kossoff, Франк Ауэрбах, Люсьен Фрейд, Филипп Перлстайн, Виллем де Кунинг, Аршил Горки, Грейс Hartigan, Роберт Де Ниро-старший, Элейн де Кунинг и другие. Наряду с Анри Матисса, Пабло Пикассо, Пьера Боннара, Жоржа Брака и других мастеров 20-го века. В частности, Милтон Эйвери через его использование цвета и его интерес в морской пейзаж и пейзажной живописи, связанных с полем аспекта цвета абстрактного экспрессионизма как проявляется Адольфа Готлиба и Марк Ротко, а также уроки американские художники имели от работы Анри Матисса. [65] [66] Глава IV, 1949 (см выше) картина ирландского родился художник Фрэнсис Бэкон и пример сообщение Второй мировой войны европейской экспрессионизма. Работа показывает, искаженное версия портрет Иннокентия X, нарисованной испанского художника Диего Веласкеса в 1650 году работа является одной из ряда вариантов картины Веласкеса, который Бэкон выполняется на протяжении 1950-х и начале 1960-х годов, в течение в общей сложности сорок пять работ. [67] Когда его спросили, почему он был вынужден вернуться предмет так часто, Бэкон сказал, что он не имел ничего против пап, что он просто "хотел повод использовать эти цвета, и вы не можете дать обычную одежду, что фиолетовый цвет, не вдаваясь в своего рода ложных любимцы образом. "[68] Папа в этой версии кипит от гнева и агрессии, а темные цвета дают изображение на гротескный и кошмарный вид. [69 ] Гофрированного шторы фоне оказываются прозрачными, и, кажется, проваливаются лице Папы. [70] Итальянский художник Джорджо Моранди был важным пионером 20-го века минимализма. Родился в Болонье, Италия, в 1890 году, на протяжении всей своей карьеры, Моранди сосредоточены почти исключительно на натюрмортов и пейзажей, в течение нескольких автопортретов, кроме. С большой чувствительностью к тону, цвету и композиционной баланса, он будет изображать те же знакомые бутылки и вазы снова и снова в картинах известных своей простотой исполнения. Моранди выполняется 133 офортов, значительный объем работы в рамках своего собственное право, и его рисунки и акварели, часто подходить абстракции в их экономии средств. Благодаря его простых и повторяющихся мотивов и экономного использования цвета, Значение и поверхность, Моранди стал пророческим и важным предшественником минимализма. Он умер в Болонье в 1964 году. После Второй мировой войны термин школа в Париже часто называют ташизма, европейского аналога американской абстрактного экспрессионизма, и те художники также связаны с Кобра. Важные сторонники того Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Николай де Сталь, Ханс Hartung, Сержа Полякова и Жоржа Матье, среди ряда других. В начале 1950-х годов Дюбюффе (который всегда был образно художник), и де Сталь, отказались абстракцию, и вернулся к изображениям с помощью фигурации и ландшафта. Де Сталь "Ы работа была быстро признали в послевоенном мире искусства, и он стал одним из самых влиятельных художников 1950-х годов. Его возвращение в представлении (морские пейзажи, Футболисты, джазовые музыканты, чайки) в течение начале 1950-х можно рассматривать как влиятельного прецедентом для американской Bay Area изобразительных движения, так как многие из тех, абстрактные художники, как Ричард Diebenkorn, Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Уэйн Тибо, Натан Оливейра, Джоан Браун и другими сделал подобный шаг; возвращаясь к образность в середине 1950-х годов. Многое из позднего творчества де Сталь-х - в частности, его разбавлять, и разбавляют масло на холсте абстрактные пейзажи середине 1950-х годов предсказывает цвет Поле живопись и лирической абстракции 1960-х годов и 1970-х годов. Смелый и интенсивно яркий цвет Николя де Сталь "с в последние картин предсказать направление много современная живопись, что после него в том числе поп-арта 1960-х годов. Арт-брют, Новый реализм, Bay Area изобразительных движения, нео-Дада, фотореализм     Жан Дюбюффе, 1962, Искусство брют     Ричард Diebenkorn 1963 года, Bay Area изобразительных движения     Ричард Эстес, 1968, фотореализм     Fairfield Портер 1971-1972, Восточное побережье Фигуративная живопись Роберт Раушенберг 1963 года, нео-Дада В 1950-х и 1960-х годов, как абстрактной живописи в Америке и Европе превратилась в движений, таких как цвет полевой живописи, пост-живописной абстракции, оп-арта, жесткий край Живопись, минимальное искусство, в форме холстины, лирической абстракции, и продолжение абстрактный экспрессионизм. Другие артисты реагировали в ответ на тенденции к абстракции с Art Brut, [71] Fluxus, нео-Дада, Новый реализм, позволяя изображения, чтобы возродиться через различные новые контексты, как поп-арт, Bay Area Образное Движение, а позднее в 1970-х годах нео-экспрессионизма. Bay Area изобразительных движения из которых Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Натан Оливейра и Ричард Diebenkorn которого живопись городской пейзаж 1, 1963 является типичным примером (см выше) были влиятельные члены процветала в течение 1950-х и 1960-х годов в Калифорнии. Хотя в течение 20-го века художники продолжали практиковать Реализм и использование изображений, практикующих пейзаж и переносном картины с современными предметами и твердых техника, и уникальный экспрессивность как Милтон Эйвери, Эдвард Хоппер, Жан Дюбюффе, Фрэнсиса Бэкона, Франк Ауэрбах, Люсьена Фрейда, Филипп Pearlstein, и другие. Молодые художники практикуется использование образов в новых и радикальных способов. Ив Кляйн, Боевые Raysse, Ники де Сен-Фаль, Волк Vostell, Дэвид Хокни, Алекс Кац, Малкольм Морли, Ральф Гоингс, Одри Флэк, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Сьюзан Ротенберг, Эрик Фишль, Джон Baeder и Вия Celmins были немногие, кто стал видным между 1960 и 1980-х годов. Fairfield Портер (см выше) был в значительной степени самоучкой, и производится представительскую работу в разгар абстрактного экспрессиониста Движение. Его подданные были в основном пейзажи, бытовые интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег художников, многие из них, аффилированные с нью-йоркской школы писателей, в том числе Джон Эшбери, Фрэнк О'Хара, и Джеймс Шайлер. Многие из его картин были созданы в или вокруг семьи даче в Великую Ель Хед, Мэн. Также в течение 1960 и 1970, было реакцией на живописи. Критики, как Дуглас Кримпа рассматривать работу художников, как Ad Reinhardt, и объявил "смерть живописи ». Художники стали практиковать новые способы сделать искусство. Новые движения получила известность, некоторые из которых являются: постминимализм, Земля искусство, видео-арт, инсталляция искусство, арте бедное, исполнительское искусство, боди-арт, Fluxus, почта искусство, ситуационисты и концептуальное искусство и другие. Нео-Дада также движение, начал 1n 1950-х и 1960-х годов и был связан с абстрактного экспрессионизма только с изображениями. Благодаря появлению в сочетании промышленные товары, с художником материалов, движущиеся от предыдущих конвенций живописи. Эта тенденция в искусстве на примере работы Джаспера Джонса и Роберта Раушенберг, чьи "комбайны" в 1950 были предвестниками поп-арта и арт-инсталляции, и сделал использование сборки больших физических объектов, в том числе с начинкой животные, птицы и коммерческой фотографии. Роберт Раушенберг (см названия комбинат, 1963, выше), Джаспер Джонс, Ларри Риверс, Джон Чемберлен, Клас Ольденбург, Джордж Сигал, Джим Дайн, и Эдвард Кинхольц среди других были важными пионерами как абстракции и поп-арта; создание новых конвенций арт-решений; они сделали приемлемыми в серьезных кругах современного искусства радикальное включение вряд материалов, деталей их произведений искусства. Новый абстракция от 1950 через 1980-х годов     Эллсворт Келли, 1951, жесткий края живопись     Ив Кляйн, 1962, монохромной живописи     Йозеф Альберс 1965 Геометрическая абстракция     Бриджет Райли, 1967, оп арт Цвет поле картина четко указал на новом направлении в американской живописи, от абстрактного экспрессионизма. Цвет поле картина связана с пост-живописной абстракция, супрематизм, абстрактный экспрессионизм, живопись жёстких контуров и лирической абстракции. Моррис Луи 1960 Минимализм - Цвет поле Кеннет Нолан, 1964, пост-живописной Абстракция В 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке через разнообразные стили. Геометрическая абстракция, оп-арта, живопись жёстких контуров, цвет поле живопись и минимальное живопись, были несколько взаимосвязанных направления передовой абстрактной живописи, а также некоторых других новых движений. Моррис Луис важно пионером в передовых поле цвета живописи, его работа может служить в качестве моста между абстрактным экспрессионизмом, Цвет поле живописи, и минимальной искусства. Два влиятельных учителей Josef Альберс и Ханс Хофманн представила новое поколение американских художников в их передовых теорий цвета и пространства. Йозеф Альберс лучше всего помнят за его работу в качестве Геометрическая абстракционист художник и теоретик. Самый известный из всех являются сотни картин и гравюр, которые составляют серии Посвящение площади, (см галерею). В Это строгое серии, начатой ​​в 1949 году, Альберс исследовали хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрично на холсте. Теории Альберс "по искусству и образование были формирующая для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу так трудно края картины и оп-арта. Йозеф Альберс, Ханс Хофманн, Илья Bolotowsky, Бергойн Диллер, Виктор Вазарели, Бриджет Райли, Ричард Anuszkiewicz, Фрэнк Стелла, Моррис Луис, Кеннет Нолан, [ 72] Эллсворт Келли, Барнетт Ньюман, Ларри Poons, Рональд Дэвис, Ларри Zox Аль удерживаемые и некоторые другие, как Мино Ардженто, [73] которые художники тесно связана с Геометрическая абстракция, оп-арта, Цвет поле живопись, и в случае Hofmann и Ньюман абстрактного экспрессионизма, а также. В 1965 году выставка называется ответная глаз, куратор Уильям С. Seitz, прошла в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Работы, представленные были широко начиная, охватывая минимализм Фрэнк Стелла, в оп-арта Ларри Poons, работы Александра Либермана, наряду с мастерами движения Op Art: Виктор Вазарели, Ричард Anuszkiewicz, Бриджет Райли и другие. Выставка ориентирована на восприятия аспектов искусства, которые в результате и от иллюзии движения и Взаимодействие цветовых отношений. Op Art, также известный как оптический искусства, представляющих стиль в некоторых картин и других произведений искусства, которые используют оптические иллюзии. Оп искусство также тесно сродни геометрической абстракции и жесткого края картины. Хотя иногда термин, используемый для нее является восприятия абстракция. Оп искусство метод живописи о взаимодействии между иллюзией и картинной плоскости, между пониманием и посмотреть. [74] Op Art работы абстрактны, и многие из наиболее известных произведений, сделанные только в черном и белом. Когда зритель смотрит на них, создается впечатление, движения, скрытых изображений, мигает и вибрации, шаблоны, или, альтернативно, наростов или деформации. Цвет поле картина стремились избавиться искусство лишнего риторики. Художники, как Clyfford Тем не менее, Марк Ротко, Ханс Хофманн, Моррис Луис, Жюль Olitski, Кеннет Ноленд, Хелен Франкенталер, Джон Хойланд, Ларри Zox, и другие часто используется значительно снижается ссылки на природу, и они окрашены очень сформулированы и психологическое использование цвета. В целом эти художники устранены узнаваемые образы. Некоторые художники цитирует упоминание в прошлом или настоящем искусстве, но и в целом цвета поля живописи представляет абстракцию как самоцель. Преследуя эту направления современного искусства, художники хотели представить каждую картину, как единую, сплоченную, монолитного изображения. Фрэнк Стелла, Кеннет Нолан, Эллсворт Келли, Барнетт Ньюман, Рональд Дэвис, Нил Уильямс, Роберт Мангольд, Чарльз Хинман, Ричард Таттл, Дэвид Novros, и Аль Любить примеры художников, связанных с использованием профилированного холст течение периода, начинающегося в начале 1960-х годов. Многие Геометрические абстрактные художники, минималистов, и жесткого края художники решили использовать края изображения, чтобы определить форму картины, а не принимая прямоугольную форму. В самом деле, использование в форме холст, прежде всего, связано с картин 1960-х и 1970-х годов, которые хладнокровно абстрактный, формальный, геометрическая, цель, рационалистических, чистый подкладке, нахально острыми краями или минималистский характер. Андре Эммерих галерея, галерее Лео Кастелли, Ричард Feigen галерея и Парк Плейс Галерея были важные витрины для цветового поля формы живописи, холст картины и лирической абстракции в Нью-Йорке в 1960-х. Существует связь с пост-живописной абстракция, которая отреагировала на мистике абстрактные expressionisms ", гипер-субъективности, и акцент на том, акт сама картина резко видно - в а также торжественной принятия плоского прямоугольника, как почти ритуальной предпосылки для серьезной живописи. В 1960-х Цвет поле живопись и искусство Минимальная часто тесно связаны друг с другом. В действительности в начале 1970-х годов оба движения стал решительно разнообразны. Вашингтон Школьный, образный Холст, Аннотация Иллюзионизм, Лирическая абстракция     Джин Дэвис 1964, Вашингтон Школьный     Фрэнк Стелла 1967, Shaped Холст     Рональд Дэвис 1968, Аннотация Иллюзионизм     Ронни Landfield, 1968, Лирическая абстракция Еще одна связанная с движением в конце 1960-х годов, лирической абстракции (термин, придуманный Ларри Aldrich, основателя Олдрич Музей современного искусства, Риджфилде Коннектикут), охватывают то, что Олдрич сказал, что видел в студии многих художников того времени. [75] Это также название выставки, которая возникла в Aldrich Музей и отправился в Уитни Музей американского искусства и других музеев на всей территории Соединенных Штатов между 1969 и 1971 [76] Лирическая абстракция в конце 1960-х годов характеризуется картин Дэн Кристенсен, Ронни Landfield, Питер Янг и других, а вместе с Fluxus движения и постминимализм (термин впервые ввел Роберт Пинкус-Виттен на страницах Artforum в 1969 году) [77] стремился расширить границы абстрактной живописи и минимализм, сосредоточив внимание на процессе, новые материалы и новые способы выражения. Постминимализм часто включая промышленные материалы, сырье, измышления, нашел объекты, инсталляции, серийный повторения, и часто со ссылками на Дада и сюрреализма лучше всего иллюстрируется в скульптурах Евы Гессе. [77] Лирическая абстракция, концептуальное искусство, постминимализм, Земля искусство, видео, перформанс, инсталляция искусства, наряду с продолжением Fluxus, абстрактного экспрессионизма, поле цвета Живопись, живопись жёстких контуров, минимальный искусство, оп арт, поп-арт, фотореализм и Новый реализм расширил границы современного искусства в середине 1960-х через 1970-е годы. [78] Лирическая абстракция является тип свободного хода абстрактной живописи, которая возникла в середине 1960-х годов, когда абстрактные художники вернулись к различным формам живописный, живописные, экспрессионизм с преобладающим акцентом на процессе, гештальт и повторяющихся композиционных стратегий в целом. Лирическая абстракция разделяет сходство с поле цвета живописи и абстрактного экспрессионизма, лирическая абстракция, как на примере картины 1968 Ронни Landfield для Уильям Блейк (выше), особенно в столкнувшихся использования краски - текстура и поверхность. Прямая рисунок, каллиграфические использование линии, эффекты щеткой, брызнула, Витражи, squeegeed, налил, и плеснул краской поверхностно напоминают эффекты, наблюдаемые в абстрактного экспрессионизма и цвет поля живописи. Тем не менее, стили заметно отличается. Установка его от абстрактного экспрессионизма и живописи действия в 1940-х и 1950-х годов является подход к композиции и драматургии. Как видно в действии живописи есть акцент на мазками, высокой композиционной драмы, динамическая композиционная натяжения. В то время как в лирической абстракции есть чувство композиционного случайности, по всему составу, низкий ключ и расслабленной композиционной драмы и акцентом на процесс, повторение, и во всем чувствительности. [79] [80] Жесткий край живопись, минимализм, постминимализм, монохромной живописи     Ларри Poons, ок 1964 Жесткий край живопись     Роберт Мангольд 1981, Минимализм     Ричард Таттл, 1967, постминимализм     Брис Марден, 1966/1986, монохромной живописи Агнес Мартин, Роберт Мангольд (см выше), Брис Марден, Джо Баер, Роберт Риман, Ричард Таттл, Нил Уильямс, Дэвид Novros Павел Mogenson, примеры художников связано с минимализмом и (исключения Мартина, Бэра и Мардена) использование профилированного холсте также в период, начинающийся в начале 1960-х годов. Многие Геометрическая абстрактные художники, минималистов и трудно края художники решили использовать края изображения, чтобы определить форму картины, а не принимать прямоугольной Формат. На самом деле, использование формы холста, прежде всего, связано с картин 1960-х и 1970-х годов, которые хладнокровно абстрактный, формальный, геометрическая, цель, рационалистический, чистый подкладке, нахально острыми краями или минималистский характер. Bykert галерея и Парк Плейс Галерея были важные витрины для минимализма и в форме холстины в Нью-Йорке в 1960-х. В 1960 и 1970 художников, таких как Роберт Мотеруэлл, Адольфа Готлиба, Филипп Гастон, Ли Краснер, Су Twombly, Роберта Раушенберга, Джаспера Джонса, Ричард Diebenkorn, Йозеф Альберс, Элмер Бишофф, Агнес Мартин, Аль Хелд, Сэм Фрэнсис, Эллсворт Келли, Моррис Луи, Хелен Франкенталер, Джин Дэвис, Фрэнк Стелла, Кеннет Нолан, Джоан Митчелл, Фридель Dzubas и молодые художники, как Брис Марден, Роберт Мангольд, Сэм Гиллиам, [81] Джон Хойланд, Шон Скалли, Пэт Steir, Элизабет Мюррей, Ларри Poons, Уолтер Дарби Bannard, Ларри Zox, Ронни Landfield, Рональд Дэвис, Дэн Кристенсен, Джоан Снайдер, Росс Блекнер, Арчи Рэнд, Сьюзен Crile, и десятки других производятся разнообразные картины. В 1960-х и 1970-х годов, было реакцией против абстрактной живописи. Некоторые критики рассматривали работу художников, как Ad Reinhardt, и объявил "смерть Картина '. Художники стали практиковать новые способы сделать искусство. Новые движения получила известность, некоторые из которых являются: постминимализм, Земля искусство, видео-арт, арт-инсталляции, Arte бедное, исполнительское искусство, боди-арт, Fluxus, происходит, почта искусство, ситуационисты и концептуальное искусство и другие. Однако и другие важные нововведения в абстрактной живописи состоялось в 1960-х и 1970-х годов характеризуется монохромной живописи и жесткого края картины вдохновлен Ad Reinhardt, Барнетт Ньюман, Милтон Резник, и Эллсворт Келли. Художники же разнообразны, как Агнес Мартин, Аль состоявшемся Ларри Zox, Фрэнк Стелла, Ларри Poons, Брис Марден и другие исследовали силу упрощения. Конвергенция Цвет поле живописи, минимальная искусства, трудно края картины, лирической абстракции, и постминимализм стирает различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х и 1990-х годов. Движение неоэкспрессионизм связано с ранее события в абстрактного экспрессионизма, нео-Дада, лирической абстракции и postminimal живопись. Нео Экспрессионизм     Филипп Гастон 1972 года, предварительно Нео-экспрессионизм     Сьюзен Ротенберг 1979, Нео-экспрессионизм     Эрик Фишль 1981, Образный Нео-экспрессионизм     Жан-Мишель Баския, 1984, Нео-экспрессионизм В конце 1960-х годов художник-экспрессионист абстрактный Филипп Гастон помог привести переход от абстрактного экспрессионизма к нео-экспрессионизма в живописи, отказавшись так называемый "чистый абстракции" абстрактного экспрессионизма в пользу более мультяшным визуализации различных персональных символов и объектов. Эти работы были вдохновляющие Новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительной образности. Его живопись Живопись, курить, есть 1973 года, видно выше в галереи пример Гастон-х окончательным и возвращение к представлению. В конце 1970-х годов и в начале 1980-х годов, было также возвращение к живописи, что произошло почти одновременно в Италии, Германии, Франции и Великобритании. Эти движения были называется Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, [82] Нео-экспрессионизм, школа Лондона, и в конце 1980-х годов Stuckists соответственно. Эти Картина были характерны большие форматы, свободной выразительной знак решений, фигурации, мифа и фантазии. Все работы в этом жанре стали помечены неоэкспрессионизм. Критическая реакция была разделена. Некоторые критики считали его обусловлен прибыли мотиваций крупных коммерческих галерей. Этот тип искусства продолжает популярности в 21-го века, даже после краха искусства конца 1980-х годов. Ансельм Кифер является ведущей фигурой в европейском неоэкспрессионизм в 1980-х (см Неизвестному Painter 1983 года, в галерее выше) темы Кифер расширились от акцентом на роль Германии в цивилизации к судьбе искусства и культуры в целом. Его работа стала более скульптурные и включает в себя не только национальную идентичность и коллективной памяти, но также оккультную символику, теологию и мистицизм. Тема все работы травмы, пережитые целые общества, и постоянное возрождение и обновление в жизни. В конце 1970-х годов в США художников, которые начали работать с набирающих поверхностей и вернувшихся к изображениям, как Сьюзен Ротенберг приобрел популярность, особенно, как видно выше, в живописи, как лошадь 2, 1979 В 1980 американских художников, как Эрик Fischl (см Bad Boy, 1981, выше), Дэвид Саль, Жан-Мишель Баския (который начался как художник граффити), Джулиан Шнабель, и Кейт Херинг, и итальянские художники, такие как Миммо Паладино, Сандро Чиа, и Энцо Cucchi, среди других определил идею неоэкспрессионизм в Америке. Нео-экспрессионизм был стиль современной живописи, который стал популярным в конце 1970-х годов и не доминировали на рынке искусства до середины 1980-х годов. Она разработала в Европе реакция на концептуальном и минималистичный искусства 1960-х годов и 1970-х годов. Neo-экспрессионистами возвращается к изображению узнаваемых предметов, таких как человеческое тело (Хотя иногда в практически абстрактной манере), в грубой и жестоко эмоционально, используя яркие цвета и банальные цветные гармонии. Ветераны художники Филипп Гастон, Франк Ауэрбах, Леон Kossoff, Герхард Рихтер, А. Р. Пенк и Георг Базелитц, наряду со слегка молодых художников, таких как Ансельм Кифер, Эрик Fischl, Сьюзен Ротенберг, Франческо Клементе, Жан-Мишель Баския, Джулиан Шнабель, Кейт Haring, и многие другие стали известны работы в этой напряженной экспрессиониста вены покраска. Живопись по-прежнему занимает уважаемое положение в современном искусстве. Искусство открытое поле больше не делится на цели против беспредметного дихотомии. Художники могут добиться критический успех ли их изображения представительские или абстрактный. В начале современной живописи 21-го века и современного искусства в целом продолжается в нескольких смежных режимов, характеризующихся идеи плюрализма. "Кризис" в живописи и искусства и тока тока искусствоведения сегодня вызвано плюрализма. Там нет консенсуса, ни необходимости есть быть, как с представителем стиль эпохи. Существует что-то идет отношение, что преобладает; "все, что происходит на", и, следовательно, "ничего не происходит" синдрома; это создает эстетику пробка с не твердой и ясной направлении и с каждым полосу на автостраде художественного заполнен до отказа. Следовательно великолепные и важные произведения искусства продолжать быть хотя в широком разнообразии стилей и эстетических темпераментов, площадка остаться судить заслуга. Жесткий край живопись, геометрическая абстракция, присвоение, гиперреализм, фотореализм, экспрессионизм, минимализм, лирической абстракции, поп-арт, оп арт, абстрактные экспрессионизм, Цвет поле живопись, монохромной живописи, неоэкспрессионизм, коллаж, живопись промежуточный, сборка живопись, цифровая живопись, постмодернистская картина, нео-Дада живопись, форму холстины, роспись окружающей среды, традиционные фигуры живопись, пейзаж, портрет живопись, являются несколько продолжается и текущие направления в живописи в начале 21-го века. Живопись в Америке Вечный Отец Картина Девы Марии Гваделупской. Приписывается Хоакин Вильегас (1713 - активного в 1753) (мексиканский) (живописец, Museo Nacional De Arte. Основные статьи: Индеец искусство, Майя искусства, доколумбовой искусства, живописи в Северной и Южной Америке до колонизации, равнины скрывают живопись и искусство Ledger В период до и после европейской колонизации и урегулирования Южной Америки, в том числе в Северной Америке, Центральной Америке, Южной Америке и на островах Карибского бассейна, Антильские острова, Малые Антильские острова в и другие островные группы, коренные индейские культуры производства творческих работ, включая архитектуры, керамики, керамики, ткачество, резьба по дереву, скульптура, живопись и фрески, а также другие религиозные и утилитарные объекты. Каждый континент Южной Америки состоялся обществ, которые являются уникальными и разрабатывается индивидуально культур; что производимые тотемы, работает религиозной символики, и декоративных и выразительных живописных работ. Африканский влияние было особенно сильным в искусстве Карибского бассейна и Южной Америки. В искусство коренных народов Северной и Южной Америки имели огромное влияние и влияние на европейское искусство и наоборот во время и после Эпохи исследованию. Испания, Португалия, Франция, Нидерланды, Англия и все были мощные и влиятельные колониальные державы в Северной и Южной Америке, во время и после 15-го века. К 19 века культурное влияние потекла в обе стороны через Атлантику Мексика и Центральная Америка     Великая Богиня росписи с сайта в Теотиуакане, Мексика     Часть фактического росписи из Tepantitla соединения, которое появляется под портретом Великой Богини, Мексика     Фреска из Tepantitla соединения показывая, что была определена как один из аспектов Великой Богини Теотиуакан, из воспроизводства в Национальном музее Антропология в Мехико     Jaguar росписи с сайта в Теотиуакане, Мексика     Майя росписи из Гватемалы, Доклассического период (1-250 н.э.)     Живопись на Господа ягуар голья тронный вазы, сцены суда Майя, 700-800 нашей эры.     Майя росписи из Бонампак, Мексика, 580-800 нашей эры.     Майя росписи из Бонампак, 580-800 н.э.     Картина из кодекса майя     Окрашенные Керамика фигурка пьяницы из захоронения в Джайной острова, искусства майя, 400-800 нашей эры.     Окрашенные рельеф сайте Майя Паленке, показывая сыну К'инич Ahkal Mo 'Naab "III (678-730s ?, р. 722-729).     Живопись на вазе майя от позднего классического периода (600-900), из Копан, Гондурас     Ацтек картина из Кодекса Борджиа     Ацтек картина из бурбонский кодекс     Деталь из боевой Mural, c.600-700, Какаштлы, Мексика     Картина из Кодекса Мендосы, показывая старший ацтеков уделяется одурманивающих, Мексика, c.1553 Южная Америка     Касатка, окрашенная керамика, Культура Наска, 300 г. до н.э.-800 н.э., Ларко музей. Лима, Перу     Расписная керамика из культуры Наска в Перу, 300 г. до н.э.-800 н.э.     Моче росписи в Decapitator от Храм Луны сайте, Перу, 100-700 нашей эры.     Моче фрески от Храм Луны сайте, Перу, 100-700 нашей эры.     Окрашенные Керамика из культуры Хуари Перу, 500-1200 н.э.     Тело живопись, Коренные народы в Бразилии, бразильская Индийская пара, c.2000 Северная Америка США     Великий галерея, пиктограммы, Национальный парк; Каньонлендс, подкова-Каньон, штат Юта, 15 по 200 футов (4,6 м по 61,0), гр. 1500 г. до н.э.     Пиктограмма, юго-восточная Юта, гр. 1200 г. до н.э. Пуэбло культура     Окрашенные Керамика, Анасази, Северная Америка: столовая (горшок) извлечены из руин в каньоне Чако, Нью-Мексико, с. 700 AD-1100 AD     Окрашенные керамический кувшин, показывая подводную пантеру от Миссисипи культуры, найденный в кургане роз в округе Креста, штат Арканзас, с. 1400-1600.     Хайда волк маска, 1880.     Хопи банка по Nampeyo (c.1860-1942), выполненный в Аризоне 1880.     Девушка из племени Зуни в Нью-Мексико с расписной керамики банку, сфотографировали в с. 1903.     Эдвард С. Кертис, навахо sandpainting, сепия фотогравюры гр. 1907     Навахо человек в торжественном платье с маской и тела краской, с. 1904     Леджер искусство Haokah (ок 1880) по Black Hawk (Лакота).     Кайова книга искусство, возможно, из 1874 Буффало валяться битвы, Red River войны.     Деталь лицевом живописи на муслина по Серебряная Рога (1860-1940), около 1880 г., Оклахома Исторический центр     Работа на бумаге, по Арапахо художника, Карл Суизи (1881-1953), 1904     Uncompaghre Уте, бритая Бивер Скрыть Живопись. Северная Уте бы ловушки бобры, бриться изображений в растянутых и вылеченных шкур животных, и использовать их для украсить свои личные и парадные жилых домов, гр. 19 век.     Тлинкитов тотем в Кетчикан, Аляска, около 1901.     K'alyaan Тотем полюс тлинкитов Kiks.ádi клана, возведен на Ситка Национальный исторический парк, чтобы почтить память погибших в битве 1804 Ситка.     Тотем в Кетчикан, Аляска, в стиле тлинкитов.     Рыба маска людей Yupi'k, крашеное дерево, Юкон / Кускоквим область Аляска, гр. начало 20 века     От Саксман Тотем парк, Кетчикане, Аляска     От Саксман Тотем парк, Кетчикане, Аляска Канада     Тотем в парк, Тотем Виктории, Британская Колумбия.     От Тотем парк, Виктория, Британская Колумбия. Карибский     Рок петроглифов обложил мелом, Caguana церемониальный центр коренных народов. Утуадо, Пуэрто-Рико. Исламская картина Основные статьи: Исламский искусство, персидский миниатюрные и Арабеск (исламское искусство)     Яхья ибн Махмуд аль-Wâsitî, Ирак, 1237     Яхья ибн Махмуд аль-Wâsitî, Ирак, 1237     Syrischer Малер, 1315 Музей Метрополитен     Ильханидов Шахнаме, ок 1330-1340, Смитсоновский     Камаль ад-дин Бехзад (с 1450 -.. С 1535), строительство замка Khavarnaq (الخورنق) в аль-Хира, гр. 1494-1495 CE Британский музей     Персидская миниатюра, CE 1550     Реза Аббаси, 1609     Razmnama, 1616, Британский музей     Два влюбленных Реза Аббаси 1630     Персидская миниатюра Харун аль-Рашид в Тысяче и одной ночи     Реза Аббаси (1565-1635), князь Мухаммед-Beik Грузии, 1620     Адам и Ева, Сефевидов Иран, с Falnama (книги предзнаменований) с. 1550 AD.     Картина, изображающая Абу Зайда, 1335 AD.     Сцена из книги Ахмада ибн аль-Хусейн ибн аль-Ahnaf, показывая два скачущих всадников, 1210 AD.     Ангел Исрафил, Ирак, 1280 AD.     Клерк, Ирак, 1287.     Декоративные Коран, аль-Bawwâb, 11-м веке нашей эры.     Мехмет II, из Сарай альбомов Стамбуле, Турция, 15 век н.э.     Снегурочка в меховой шапке, Мухаммад Али, Исфахан, Иран, середина 17-го века     Молодежь и женихи, Мешхед, Иран, 1556-1565 н.э. Изображение человека, животных или каких-либо других образных предметов запрещено в исламе, чтобы предотвратить верующих от идолопоклонничества так нет религиозно мотивировано живопись (или скульптура) традиция в мусульманской культуре. Изобразительное деятельность сводится к Арабески, в основном абстрактные, с геометрической конфигурации или цветочные и растительные узоры, как. Категорически связано с архитектурой и каллиграфии, его можно широко рассматривается как используется для окраски плитки в мечетях или в иллюминации вокруг Текст Корана и других книг. На самом деле, абстрактное искусство не изобретение современного искусства, но он присутствует в предварительно классический, варвар и незападных культурах многих веков до него и, по существу, декоративные или декоративно-прикладного искусства. Примечательно иллюстратор Эшер был под влиянием этой геометрической и на основе шаблонов искусства. Модерн ( Обри Бердсли и архитектор Антонио Гауди) вновь представил абстрактные цветочные узоры в западном искусстве. Обратите внимание, что, несмотря на табу переносном визуализации, некоторые мусульманские страны вообще культивировать богатые традиции в живописи, хотя и не в своем собственном праве, но в качестве компаньона письменным словом. Иранская или персидского искусства, широко известный как персидский миниатюре, концентрируется на рисунке эпических или романтических произведений литературы. Персидский иллюстраторы сознательно избегал использования затенения и точки зрения, хотя знаком с ним в их доисламской истории, для того, чтобы соблюдать правила, не создавая любой реалистичные иллюзии реального мира. Их цель не в том, чтобы изобразить мир, как он есть, но для создания образов идеального мира вечной красоты и идеальном порядке. В нынешних дней, картина искусства студентов или профессиональных художников в арабских и неарабских мусульманских стран следует те же тенденции западной культуры искусства. Иран Основные статьи: персидской живописи, каллиграфии, персидский Список персидских художников и иранского искусства Восточный историк Василий Серый считает, что "Иран предложил особенно уникальный [так в оригинале] искусство к миру, которое отлично в своем роде". Пещеры в иранской провинции Lorestan Выставка окрашены образы животных и охотничьих сцен. Некоторые, такие, как те, в провинции Фарс и Sialk, по крайней мере 5000 лет. Живопись в Иране полагают, достиг апогея в эпоху Тамерлана, когда выдающиеся мастера, как Бехзад Кямаледдин родила нового стиля живописи. Картины Каджаров периода сочетание европейских влияний и Сефевидов миниатюрных школ живописи, таких как те, которые вносятся Реза Аббаси и классической работает Михр Али. Мастера, такие как Камал-ола-molk дальше толкнул вперед европейское влияние в Иране. Это было в эпоху Каджаров, когда "Кофейня картина" появились. Субъекты этого стиля часто религиозного характера, изображающие сцены из эпоса и шиитов, как.     Фаррух Бек (около 1545 - около 1615), Пьяный Бабур возврат в лагерь на ночь, Лахор, Пакистан, 1589     Мигр Али (эт. 1795-1830), Fat'h Али Шах Каджар (1813-14)     Камаль-ол-molk (1847-1940), предсказатель будущего, 1892, Музей Sadabad, Тегеран Пакистан Основная статья: Культура Пакистана     Любной Ага, звезды - картина вдохновила ремесленников Марокко     АР Чугхтаи, Anarkali Океания Основная статья: Искусство Океании Австралия Основные статьи: Искусство аборигенов, Искусство Австралии, Список австралийских художников и визуальных искусств Австралии Новая Зеландия Основные статьи: Искусство Новой Зеландии и Список Новой Зеландии художников Африка Основные статьи: африканское искусство, африканские племенные маски и Tingatinga (живопись)     Химба женщина покрыта традиционной красной охрой пигмента. Традиционный краска символизирует землю и крови, а также носить для защиты от солнца тело.     Кикуйю женщина в традиционной одежде. Торжественное лицом картины.     Молодые масаи воин, с головным убором и лицом картины.     Догонов, обрезание пещера, с картины Мали в. современный Африканская традиционная культура и племена, похоже, не имеют большой интерес в двумерных представлений в пользу скульптуры и рельефа. Тем не менее, декоративные живопись в африканской культуре часто абстрактные и геометрические. Другой изобразительный проявление бодиарт, и живопись лица присутствовать, например, в масаи и Кикуйю культуры в их церемонии ритуалов. Торжественное пещерная живопись в некоторых деревнях можно найти, чтобы быть до сих пор. Обратите внимание, что Пабло Пикассо и других современных художников под влиянием африканской скульптуры и масок в их разнообразных стилей. Современные африканские художники следуют западные художественные движения и их картины есть небольшое различие от Occidental искусства. Влияние на западного искусства В начале 20-го века, художники, как Пикассо, Матисс, Винсент ван Гог, Поль Гоген и Модильяни стало известно, и были вдохновлены, африканского искусства. В Ситуация, когда установлено авангарда напрягает против ограничений, служа мир явлений, Африканское искусство продемонстрировали силу в высшей степени хорошо организованные формы; производится не только в ответ на факультете зрения, но и часто в первую очередь, на факультет воображения, эмоций и мистического и религиозного опыта. Эти художники увидели в африканском искусстве официальное совершенства и изысканности единой с феноменальной выразительной силой. Смотрите также Западной живописи 20-го века Искусство периоды     Иерархия жанров     Список художников     Живет из самых превосходных художников, скульпторов, архитекторов и     Автопортрет     Хронология итальянских художников 1800 Ссылки     Брюс Коул; Адельхайд М. Gealt; Адельхайд М. Gealt (15 декабря 1991). Искусство западного мира: от Древней Греции до постмодернизма. Саймон и Шустер. ISBN 978-0- 671-74728-2. Проверено 8 сентября 2011 года.     Встреча Востока и западного искусства, переработанное и дополненное издание (в твердом переплете) Майкл Салливан,     "Искусство зрения; восточного искусства через западные глаза". Нью-Йорк Таймс. 10 июля 1994. Источник 30 ноября 2010.     Вихманн, Зигфрид (1999). Japonisme: японский влияние на западного искусства С 1858. ISBN 978-0-500-28163-5.     Салливан, Майкл (1989). Встреча Востока и западного искусства. Калифорнийский университет Press. ISBN 978-0-520-05902-3.     Обсуждение роли покровителей в эпоху Возрождения. Источник 11 ноября 2008     История 1450-1789: Художественный Патронат. Источник 11 ноября 2008     Britannica.com. Источник 11 ноября 2008     Victorianweb.org, эстетов декаденты, и идея искусство ради искусства Джордж П. Landow, профессор английского языка и истории искусств, Университет Брауна. Источник 11 ноября 2008     Национальная галерея искусств. Источник 11 ноября 2008     Национальная галерея искусств. Источник 11 ноября 2008     Сезанн Пикассо: Амбруаз Воллар, покровитель авангарда, Чикагский художественный институт. Источник 11 ноября 2008     Фергал MacErlean (10 февраля 2012 года). "Первые наскальные рисунки неандертальцев, обнаруженные в Испании". Новый Ученый. Источник 10 февраля 2012.     Джонатан Амос, Красная точка становится старейший пещера искусство, BBC     Gizmodo, это самые ранние картины человека Ever     М. Гувер, "Искусство палеолита и неолита эпох», от истории искусств обследования 1, Сан-Антонио Колледж (июль 2001 года; доступ 11 июня 2005).     [1] [неработающую ссылку] Нью-Йорк таймс, Голландия Коттер. Источник 27 октября 2007     http://www.asia.si.edu/collections/singleObject.cfm?ObjectId=1691     Сено, Александра А. (2 ноября 2010). "" Река Мудрость »является горячий билет в Гонконге". Wall Street Journal.     http://www.chinaculture.org/gb/en_artqa/2003-09/24/content_39769.htm     http://www.tcc.leidenuniv.nl/index.php3?m=245&c=55     Нидхэм, Джозеф (1986). Наука и цивилизация в Китае: Том 4, Часть 3. Тайбэй: Пещеры Книги, ООО страницу 115.     http://www.asia.si.edu/collections/zoomObject.cfm?ObjectId=4693     http://www.nezu-muse.or.jp/syuuzou/kaiga/10169.html     Всемирного наследия ЮНЕСКО. Аджанта Пещеры, Индия: Краткое описание. Источник 27 октября 2006.     Международный совет ЮНЕСКО по охране памятников и исторических мест. 1982 Аджанта Пещеры: Консультативный орган по оценке. Источник 27 октября 2006.     "Амрита Шер-Гилл". mapsofindia.com.     "Первая леди современного Canvas". Indian Express. 17 октября 1999.     "Женщины художники". 21stcenturyindianart.com.     "Большинство дорогих индийских художников". us.rediff.com.     "Девять Мастеров". Правительство музей и художественная галерея, Чандигарх Официальный сайт.     "Витрина: Амрита Шер-Гил". Национальная галерея современного искусства.     "Ислас-де-лос-Pintados: Висаян острова".     "Филиппинский культивированный: Лучший филиппинских искусства".     "Роман Живопись". art-and-archaeology.com.     "Римская стена Картина". accd.edu.     Патнэм М., Гео. Хейвен. Книги и их производители в средние века. Том 1. Нью-Йорк: Хиллари Дом, 1962. Печать.     "Контрреформация". Энциклопедического словаря Брокгауза Интернет последнее издание, полный статья.     "Контрреформация". Колумбия энциклопедия, шестое издание. 2001-05.     Хелен Гарднер, Фред С. Клейнер, и Кристин Дж Мамия (2005). Искусство Гарднера Через века. Белмонт, Калифорния: Томсон / Уодсворт.     Эдмонд де Гонкур; Жюль Гонкур Де (1948). Французские восемнадцатого века Художники: Ватто, Буше, Шардена, La Tour, Греза, Фрагонара. Корнелльского университета. с. 222. ISBN 978-0-8014-9218-1.     http://digi.ub.uni-heidelberg.de/sammlung6/allg/buch.xml?docname=blondel1737     Новак, Барбара (2002). "Американский Sublime Artforum". Artforum. Проверено 30 октября 2008.     Delvaille, Бернар (1971). Ла поэзии; symboliste: [Anthologie]. ISBN 978-2-221-50161-0.     Рассел Т. Клемент. Четыре французских символистов. Greenwood Press, 1996 Страница 114.     Джон Elderfield; Стивен Эндрю Робертс (1991). Европейский Сотрудничество в области социальных наук информации и документации (ECSSID) технического совещания, Университет Кента в Кентербери, 25-26 марта 1991: Доклад Британской библиотеки исследований и отдела развития. ISBN 978-0-87070-638-7.     Уильям Стэнли Рубин; Judith Казинс, Музей современного искусства (Нью-Йорк, Нью-Йорк) (1989). Пикассо и Брака: новаторский кубизм. с. 348. ISBN 0-87070-676-4.     "Синий всадник". Тейт Глоссарий. Проверено 10 августа 2009.     "Де Стиль". Тейт Глоссарий. Тейт. Источник 31 июля 2006.     Керл, Джеймс Стивенс (2006). Словарь архитектуры и ландшафтной архитектуры (в мягкой обложке) (второе издание под ред.). Oxford University Press. ISBN 0-19-860678-8.     "Нео-Plasticism". tate.org.uk.     "Стиль; Голландия, 1917". guggenheimcollection.org. Проверено 30 ноября 2010.     Спектор, Нэнси. "Пропашных поле, 1923-1924". Дисплей Гуггенхайма подпись. Источник 30 мая 2008 года.     "Постоянство памяти". МоМА Интернет Коллекция.     "Макс Эрнст (1891-1976). Мужчины ничего не пойму этого 1923 / Les Hommes n'en sauront Rien". tate.org.uk. Проверено 30 ноября 2010.     "Художники Ассоциация Мост". Мост музей. Источник 7 сентября 2007.     Файнман, Миа, самый известный фермы Пара в Мире: Почему Американская готика еще очаровывает. , Шифер, 8 июня 2005     Льюис, Елена. Дада краснеет. 1990 Эдинбургского университета Press. История непростых отношений между сюрреалистами и коммунистов из 1920 через 1950.     "Пабло Пикассо - Биография, картины Котировки &". arthistoryarchive.com. Источник 14 июня 2007.     "Виллем Де Кунинг: Женщина В 1952-53". Национальная галерея Австралии. Проверено 30 ноября 2010.     Alloway, Лоуренс (1975). Темы в американском искусстве: с 1945 года. WW Нортон. стр. 119-122. ISBN 978-0-393-04401-0.     Лихтенштейн, Рой. "Whaam!" , Тейт коллекция. Источник 27 января 2008.     Лихтенштейн, Рой. "Whaam!" , Сайт Рой Лихтенштейн Фонд. Проверено 12 сентября 2009.     Дэвид Пайпер, стр. 635     NY Times, Грейс Глюк, искусство в обзоре; Милтон Эйвери - наступающих волн     Хилтон Крамер, Нью-Йорк наблюдатель, Лето 57 с Эйвери, Готлиб, Ротко     Шмид, Виланд (1996). Фрэнсис Бэкон: приверженность и конфликтов. Prestel публикации. с. 17. ISBN 3-7913-1664-8.     Peppiatt, Майкл (1998). เรื่อง เก่า เล่า ใหม่: รวม ข้อคิด จาก พงศาวดาร และ ตํา นาน เก่า. Уэствью Пресс. с. 147. ISBN 978-0-8133-3520-9.     Шмид (1996), р20     Peppiatt (1996), P148     Жан Дюбюффе: L'Art Brut предпочитаю AUX Живопись culturels [1949] (в английском:.. Art Brut безумия и маргиналии, специальный выпуск искусств и текста, N 27, 1987, стр 31-33)     Фентон, Терри. "Интернет эссе о Кеннет Ноленд и акриловая краска". Источник 30 апреля 2007.     Ноэль, Frackman "Мино Ардженто создать. Эти полотна, в которых геометрические формы, площади, дуги и линии", Искусство Журнал стр.19 декабря 1979     Джон Ланкастер. Представляя Op Art, Лондон: BT Batsford Ltd, 1973, стр. 28.     Олдрич, Ларри. Молодые Лирические Художники, Искусство в Америке, V.57, N6, ноябрь-декабрь 1969 года, pp.104-113.     Лирическая абстракция, Каталог выставки, Олдрич Музей современного искусства, Риджфилде, штат Коннектикут. 1970.     Воротилы, Нью-Йорк ", оставляя C & M", Сара Дуглас, искусства и аукцион, март 2007 г., V.XXXNo7.     Мартин, Энн Рэй, и Говард Юнкер. "Новое искусство: Это путь, Way Out", Newsweek 29 июля 1968: pp.3,55-63.     Олдрич Музей современного искусства, лирической абстракции, выставка: 5 апреля по 7 июня 1970     Лирическая абстракция Уитни Музей американского искусства, Нью-Йорк, 25 мая - 6 июля 1971     "Colorscope: Абстрактная живопись 1960-1979". Проверено 30 ноября 2010.     "Тейт онлайн словарь". Дальнейшее чтение     Клемент Гринберг, Искусство и культура, Beacon Press, 1961     Лирическая абстракция, Каталог выставки, Уитни Музей американского искусства, Нью-Йорк, 1971.     О'Коннор, Фрэнсис В. Джексон Поллок Каталог выставки, (Нью-Йорк, Музей современного искусства, [1967]) OCLC 165852     Фотографии настоящее: Абстрактное искусство начиная с Поллок (AW Mellon Лекции в изящных искусств), Кирк Varnedoe 2003     Триумф модернизма: Искусство мира, 1985-2005, Хилтон Крамер, 2006, ISBN 0-15-666370-8     Пайпер, Дэвид (1986). Иллюстрированный Библиотека искусств: история, признания, и традиция. ISBN 978-0-517-62336-7. Внешние ссылки Википедия есть медиафайлы, связанные с историей живописи.     История искусства: от палеолита к современного искусства     История живописи     Кандинский Кандинский (перевод Михаила TH Сэдлер), Василий. "О духовном в искусстве". mnstate.edu. Источник 30 ноября 2010.     Музей Метрополитен Хронология истории искусств     Древнеримский росписи [Показать] V т е Доисторические технологии Категории : Art history by medium Живопись Первобытное искусство Western art Medieval art Gothic paintings Кельтского искусства Byzantine art Byzantine mosaic Illuminated manuscripts Renaissance art Renaissance paintings Маньеризм Mannerist paintings Baroque painting Rococo art Импрессионизм Постимпрессионизм Luminism (American art style) Romantic art Современное искусство Движения Art Кубизм Сюрреализм Dada Абстрактный экспрессионизм Поп-арт История живописи / по теме История живописи . История живописи Restrike Категории : Монеты Золотые монеты Нумизматика Средневековые валюты Степни семья Погребения в соборе Святого Павла

История живописи

К История живописи

Заметки о История живописи

      Не помню, Принц!.. Спросите у отца!..